tarafından Arthipo | 15 Eylül 2021 | Sanat Tarihi
Amerikan Sanat Tarihi
Amerikan sanat tarihi makalesinin temel konusu Amerika Birleşik Devletleri’nde sanat gelişimi incelemektir. Konu kıta Amerika’sı genelini kapsamaz.
Amerikan Yerlileri Sanatı
Karmaşık geometrik desenler kullanan ve hem doğal dünyayı çağrıştıran hem de atalara ait ve mitolojik hikayeleri sembolize eden neredeyse soyut biçimler kullanan oldukça stilize edilmiş bir kelime dağarcığı geliştiren birçok yerli kabile arasında zengin, karmaşık sanat gelenekleri gelişti. Nesneler genellikle faydacıydı ve aynı zamanda ritüel önemle doluydu. Bununla birlikte, ilk Kızılderili sanat hareketi, kabilelerinin inançlarını, tarihini, modasını ve yaşam tarzını gerçekçi bir şekilde tasvir etmek için çizim, resim ve baskı resim kullanan 25’ten fazla Iroquois sanatçısını içeriyordu. 1900’lerin başında, Kızılderili sanatı ulusal ve uluslararası ilgi görmeye başladı. Kiowa Six, Spencer Asah, James Auchiah, Jack Hokeah, Stephen Mopope, Lois Smoky ve Monroe Tsatoke, güçlü ana hatları çizilmiş, koyu renkli düz alanlar kullanan Ledger çizimler kullandı.
Amerikan Sanat Tarihi Halk sanatı
Amerikan halk sanatının çoğu doğası gereği faydacıdır; duvar süsleri için çerçeveli nakışlar ve kadife resimlere kadar çeşitli eserler ve boyamalar yapılmıştır. Erken Amerikan halk ressamlarına, “açık, keskin ayrıntılarla ana hatları çizmek” anlamına gelen kireçlenme teriminden, ‘’Sınırlayıcılar’’ deniyordu. Genellikle kendi kendini yetiştiren denizciler kasabadan şehre seyahat eder ve yerel tüccarlar için tabelalardan çiftlik aletlerine ve arabalara kadar her şeyi boyamayı teklif ederek geçimini sağlardı. Koloniler, portreyi sosyal duruşun bir işareti olarak gören İngiliz kültürel değerlerini yansıtırken, 1705 civarında Güney Carolina, Charleston’a göç eden Fransız doğumlu Henrietta Johnston gibi güzel sanatlar portrecileri şehirlere çekildi.
Amerikan Mimarisi
Amerika Birleşik Devletleri’nin üçüncü başkanı Thomas Jefferson yenilikçi bir mimardı ve Virginia’daki evi Monticello (1772-1809) için yaptığı tasarım, dört renkli sütunlu bir Palladyan portiko kullanarak Neoklasik tarzı örnekledi. Benjamin Henry Latrobe’un resmi binalar için tercih edilen Federal tarz olarak bilinen şeyi başlattı.
Neoklasizm bağlamında 1830 civarında gelişen Beaux-Arts mimarisi, Neoklasizmin resmiyetini Rönesans, Barok ve Geç Gotik mimarisinden unsurları dahil etmek için reddetti. Amerika Birleşik Devletleri’nde, Richard Morris Hunt tarafından yönetilen Beaux-Arts tarzı, “Amerikan Rönesansı” veya “Amerikan Klasisizmi” olarak tanındı. 1890’da başlayan ve İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketinden ve Japonizm’den etkilenen son derece etkili Art Nouveau hareketi, organik, akıcı, bitkisel motifler içeriyordu.
Hudson River Okulu (1826-1870)
Hudson Nehri Okulu öncülüğünde, Thomas Cole İngiltere’de doğdu ama on yedi yaşındayken Amerika Birleşik Devletleri’ne göç etti, ilk tanınan Amerikan sanat hareketiydi. O zamanlar vahşi olan yukarı New York eyaletinde merkezlenen hareketle ilişkili sanatçılar, Amerikan manzarasının yüce ve eşsiz güzelliğini vurguladılar. Romantizmin yüce kavramından ve Naturalizm’in hassas gözlemlenen ayrıntılara vurgusundan etkilenen Cole’un Kaaterskill Upper Fall, Catskill Dağları (1825) ve Ölü Ağaçlarla Dunlap Gölü (Catskill) (1825) gibi manzaraları, yeninin sınırsız olasılıklarını uyandırmak için Amerikan sahnelerini tasvir etti. Amerikan Sanat Tarihi.
Hudson River Okulu
Thomas Cole (1801–1848), The Oxbow, View from Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, after a Thunderstorm (1836), Metropolitan Museum of Art
Aydınlık (1850-1875)
Luminism (aydınlık) terimi, 1950’lerde sanat tarihçileri tarafından 1850-1870 yılları arasında bir dizi Amerikan manzara ressamı arasında gelişen bir stili tanımlamak için geliştirildi. Harekete liderlik eden John Frederick Kensett, insan varlığından ziyade, manzaranın kendisini vurguladı.
Tonalizm (1870-1915)
Tonalizm, 1870’lerin başında James McNeill Whistler’ın alacakaranlıkta manzaraları tasvir etmek için genellikle sessiz yeşiller, maviler ve koyu renklerdeki ton uyumlarını vurgulayan Nocturnes serisinde ortaya çıktı. Dönemin sanatçısı Inness gün doğumunda veya günbatımında bir manzarayı tasvir etmek için altın ve kahverengi tonları kullanarak, Sunrise (1887) gibi eserlerinde manevi ifadeyi vurgularken, dönemin başka bir sanatçısı Ryder ise sık sık Sembolizmin öncüleri olan gizemli manzaralarına mitolojik bir anlatı unsuru dahil etti.
Amerikan İzlenimcilik (1880-1920)
Amerikan Empresyonizm’i öncelikle ilham veren etkileyen Fransız izlenimcilerdir. Mary Cassatt, Amerika’nın ilk tanınmış Empresyonisti oldu. 1866’da Paris’e taşındığında, Edgar Degas ile yakın arkadaş oldu.ve önde gelen Empresyonistlerin birçoğu ile ilişkilendirildi ve sergilendi. Canlı renklerle ve etkileyici fırça darbeleriyle dolu çalışmaları, genellikle rahat burjuva ortamlarında samimi toplantıların yanı sıra bir anne ve çocuğun birçok tasvirini tasvir etti ve Amerika Birleşik Devletleri’nde son derece popülerdi.
Ashcan Okulu (1900-1915)
Ashcan Okulu, o zamanlar Philadelphia’da bulunan Robert Henri’nin tüm öğrencileri olan John Sloan, George Luks, Everett Shinn ve William James Glackens gibi bir grup sanatçıydı. Diego Velazquez, Francisco de Goya ve Édouard Manet gibi daha sonraki Realistler de dahil olmak üzere eski ustalardan yararlanan grup, modern, işçi sınıfı yaşamının gerçekçi ve cesur sahnelerini veya Henri’nin “hayat için sanat” dediği şeyi yaratmak için klasik yöntemler kullandı.
Senkromizm (1912-1924)
Senkromizm, görsel bir “senfoni” veya müzikal etki yaratmak için öncelikle renk ölçeğini kullanan soyut resimleri vurguladı. Her ikisi de Paris’te yaşayan genç Amerikalı Morgan Russell ve Stanton Macdonald-Wright , 1912’de Amerika’nın ilk avangart hareketini kurdular.
Harlem Rönesansı (1920- 1940)
Terimi Harlem Rönesansı müzik, edebiyat, tiyatro, resim ve heykel New York’un Harlem mahallesinde zengin ve canlı kültürü içinde geliştiği zamanı tanımlar. Farklı tarzlarla tanınan hareket, yazar Alain Locke tarafından geliştirildi.
Ondördüncü Sokak Okulu (1920-1940)
1950’lerde, 1920’lerde ve 1930’larda Kenneth Hayes Miller, Isabel Bishop ve Reginald Marsh’ın eserlerini tanımlamak için On Dördüncü Sokak Okulu terimi geliştirildi. Konuları, Union Meydanı ve On Dördüncü Cadde civarındaki New York mahallesinden alındı. “Fakir adamın 5. Bulvarı” olarak bilinen bölge, en son modayı ucuz fiyatlarla sunan satışları binlerce orta sınıf müşteriyi çeken perakende mağazalarının yer aldığı yükselen bir ticaret merkeziydi. Modern yaşamın gerçekçi bir şekilde ele alınması nedeniyle, hareket genellikle Sosyal Gerçekçilik kapsamına alındı.
Amerikan Bölgeselcilik (1928-1943)
Amerikan Bölgeselcilik, kasıtlı olarak oluşturulmuş bir hareket değil, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry ve Grant Wood’un eserlerinde organik olarak gelişen bir tarz ve yaklaşımdı. Bu üç sanatçı, kırsal yaşamın ve sıradan durumların gerçekçi tasvirlerini vurguladı ve her biri belirli bir bölgeyle ilişkilendirildi.
Amerikan Sanat Tarihi Sosyal Gerçekçilik (1929- 1960)
Toplumsal Gerçekçilik, toplumu radikal bir şekilde dönüştürmek için, genellikle kentsel bir ortamda, alt sınıfın ve işçi sınıfının gerçekçi tasvirlerini vurgulayan sanatçılar arasında kendiliğinden gelişti. İşçilerin kötü durumuna odaklanan hareketle bağlantılı sanatçılar, Jose Clemente Orozco’nun duvar resimlerinden, işçi hakları örgütlerinin yükselişinden ve John Reed Society gibi solcu örgütlerin işçi haklarına çağrısından etkilendiler.
Soyut Dışavurumculuk, Renk Alanı Resmi, Ressam Sonrası ve Sert Kenarlı Soyutlama (1943-1965)
Soyut Dışavurumculuk 1940’ların başında New York’ta başladı ve Jackson Pollock, Clyfford Still, Willem de Kooning, Mark Rothko ve Adolph Gottlieb tarafından yönetildi. Önde gelen Sürrealistler II.Dünya Savaşı sırasında New York için Avrupa’dan kaçarken, Soyut Ekspresyonistler, Gerçeküstücülüğün bilinçdışına dokunan bir sanat olan otomatizme vurgusundan etkilenmişlerdi. Sanatçılar kariyerlerine temsili imgeleri boyamaya başlarken, soyutlamayı artırmaya doğru ilerledi.
1952’de, etkili sanat eleştirmeni Harold Rosenberg “The American Action Painters” adlı makalesinde, sanatçının resim yapmaya karar verme konusundaki eylemine odaklandı ve böylece Eylem Resmi terimini Soyut Dışavurumculuk lehine icat etti. Rosenberg, çalışmalarını resmin kendisinin olayını ve sürecini vurguladığı için Franz Kline, Willem de Kooning ve Jackson Pollock’u bu terimle ilişkilendirildi.
1950 civarında San Francisco Körfez Bölgesi’nde David Park , Richard Diebenkorn ve Elmer Bischoff figüratif konular lehine saf soyutlamayı reddettiler. Körfez Bölgesi Ressamları arasında Manuel Neri, Nathan Oliveira ve Joan Brown da vardı.
Ayrıca 1950’lerin ortalarında Jack Beal, Jane Freilicher ve Nell Blaine dahil olmak üzere bir dizi ikinci nesil Soyut Dışavurumcu hareketi reddetti ve figüratif sanata yöneldi. Fairfield Porter, Alex Katz ve Lois Dodd dahil olmak üzere, New York sanatçılarının gevşek birliği, Çağdaş Gerçekçilik olarak bilinen gerçekçiliğe yeni bir vurgu yaptı.
Neo-Dada (1952-1970)
1952’den başlayarak, Jasper Johns, Allan Kaprow ve Robert Rauschenberg ” readymades “, kitle iletişim araçları ve performanslar kullanmaya başladıkça Neo-Dada gelişti. Sanatçılar, Soyut Dışavurumculuk ile bağlantılı varoluşçu kahramanları sıradan konular lehine reddettiler ve medya arasındaki geleneksel sınırları bulanıklaştırdılar.
Allan Kaprow, yerleştirme parçaları oluşturmak için heykelsi kolajlar kullanarak “ortamlar” yarattı ve daha sonra Cage’in dersini aldıktan sonra işitsel bileşenler ekledi. “Olaylar” terimini, Fütürizmin olay kavramının tüm sınırları aşması ve Dada’nın şansın rolüne yaptığı vurgunun etkisiyle olay ve seyirci arasındaki sınırın kırıldığı yarı teatral olayları tanımlamak için geliştirdi.
George Brecht, Robert Whitman ve Robert Watts da dahil olmak üzere birçok Fluxus sanatçısı Neo-Dada ve olaylarla ilgileniyordu. “Sanat karşıtı” bir hareket olarak tanımlanan Fluxus, kişinin sanatla olan ilişkisini değiştirmek ve gündelik nesnelerin ve eylemlerin ustalığını vurgulamak gibi ütopik hedeflere sahipti. Amerikan Sanat Tarihi Dick Higgins, Jackson Mac Low ve Al Hans grubunun önde gelen üyeleri, New School’da Cage’in 1959’daki sınıfında bir araya geldi. Fluxus sanatçıları, yüksek sanatın altını çizmek ve reddetmek için sıklıkla mizah kullandılar. Fluxus, Yoko Ono , Nam June Paik ve Joseph Beuys’u da içeren uluslararası bir hareketti.
Pop Art ve Fotogerçekçilik (1950-1970)
Pop Art, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi ve mimarlar Alison ve Peter Smithson’un da dahil olduğu Independent Group’un önderliğinde 1952’de İngiltere’de başlayan uluslararası bir hareketti, ancak Amerikan versiyonu trend belirleyen ve baskın biçim haline geldi. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg ve James Rosenquist liderliğindeki sanatçılar, “yüksek” ve “düşük” sanat arasındaki ayrıma meydan okumak ve tüketici kültürünü eleştirmek ve kutlamak için kitle iletişim araçlarından ve popüler kültürden alınan görüntüleri kullandılar. Warhol, Rosenquist ve Ed Ruscha grafik tasarımcı ve illüstratör olarak yaptıkları ilk çalışmalardan etkilenmiştir.
Pop Art, Foto Gerçeklik Amerikan Sanat Tarihi
Minimalizm ve Post-Minimalizm (1960 ‘dan- Günümüze)
1960’ların başında New York’ta Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt ve Robert Morris gibi minimalist sanatçılar, havalı ve anonim bir yaklaşım kullanarak endüstriyel malzemelerden eserler yarattılar. Rus Konstrüktivizminden etkilenen Minimalistler, izleyici tarafından algılanan ve tercih edilen endüstriyel malzemeler ve fabrikasyon tarafından algılanan medyanın önemliliğini vurguladılar.
Post-Minimalizm, Süreç Sanatı , Performans ve Vücut Sanatı, Alana Özgü Sanat ve Kavramsal Sanatın bazı yönleri dahil olmak üzere bir dizi eğilimi içeriyordu . Sanat eleştirmeni Lucy Lippard, 1968’de Louise Bourgeois , Eva Hesse ve Bruce Nauman’ın çalışmalarını içeren bir sergi olan Eksantrik Soyutlama’nın küratörlüğünü yaptı. Minimalizm ile ilişkili bazı sanatçılar, anonim ve soyut nesnelere Minimalist ilgiyi diğer alanlara doğru genişletirken, diğerleri Minimalizmin soğuk anonim yaklaşımına duygusal ifade lehine tepki gösterdi. Lynda Benglis, Eva Hesse ve Louise Bourgeois reçineler ve lateks kullanırken, Nancy Graves hayvan derilerini simüle etmek için malzemeler kullandı ve sonuçta ortaya çıkan çalışmalar organik bir ifade etkisi yarattı. Sol LeWitt , Richard Serra ve Vito Acconci de Post-Minimalistler arasında yer aldı.
Minmalizm, Post- Minimalizm
Kaliforniya merkezli ve Minimalizmden etkilenen Robert Irwin, 1969’da ışık kaynaklarını kullanarak büyük enstalasyonlar oluşturmaya başladı ve Işık ve Uzay hareketi olarak bilinen şeyin öncülüğünü yaptı. Larry Bell, James Turrell, John McCracken ve Helen Pashgian, algısal deneyimler yaratmak için neon ve argon ışıkları, dökme akrilik ve polyester reçineler dahil endüstriyel malzemeleri kullanan hareketle ilişkilendirildi. Yeni bilimsel araştırma ve teknolojilerden yararlanarak, ışık ve mekanın etkileşimini vurgulayan eserler yarattılar.
Amerikan Sanat Tarihi, Dünya Sanatı ve Çevre Sanatı (1960’lardan – Günümüze)
Land Art (dünya sanatı) veya Earthworks olarak da adlandırılan Earth Art, Minimalizmin bir sonucuydu, çünkü dünyanın kendisi hem maddi nesne hem de sanata özgü alan haline geldi ve sanatçılar sitenin çamur, toprak ve taş gibi mevcut doğal malzemelerini kullanarak Sitenin önemine uygun büyük ölçekli projeler tasarladı. Nancy Holt, Richard Long , Agnes Denes ve Andy Goldsworthy, Earth Work sanatçılarının önde gelenleriydi.
Hareket, ekolojik sanat olarak da bilinen Çevre Sanatının gelişimini etkiledi. Müdahaleci olmayan bir yaklaşımı vurgulayan Çevre sanatçıları, kendilerini çevre ile iş birliği içinde ve doğal ortamlarla insan etkileşimini keşfederken gördüler.
Postmodernizmin; Kavramsal, Feminist, Performans Sanatı (1960’lardan – Günümüze)
1960’larda, Kavramsal Sanat, Feminist Sanat, Vücut Sanatı ve Performans Sanatının gelişmesine yol açan şiddetli bir deney atmosferi hüküm sürdü. Bu sanat hareketleri uluslararası olsa da Amerikalı sanatçıların gelişimlerinde ve daha sonra bir dizi eğilime yönelmelerinde önemli bir rol oynadılar.
Minimalizmin indirgemeci sadeliğinden etkilenen Kavramsal sanat, bir iş kavramının biçiminden ve hatta tamamlanmasından daha önemli olduğunu vurguladı. Walter de Maria, Ed Ruscha, Marina Abramovic, Dan Graham ve Alman sanatçı Joseph Beuys hareketin bir parçası olan önde gelen sanatçılardan sadece birkaçıdır.
Postmodernizmin; Kavramsal, Feminist, Performans Sanatı, Marina Abramoviç
Feminist Sanat, Sivil Haklar hareketi, ortaya çıkan Gay Pride hareketi ve savaş karşıtı coşku dışında 1960’ların sonlarında, Sanat İşçileri Koalisyonu ve Devrimde Kadın Sanatçılar gibi kadın sanat kuruluşları, toplumsal cinsiyet eşitsizliğini ve sanat camiasındaki diğer feminist sorunları ele almak için kuruldu. Judy Chicago ve Miriam Schapiro, California Sanat Enstitüsü’nün Feminist Sanat Projesi’ni ve kadın sanatçıların iş birliği yapabileceği ve büyük enstalasyonlar oluşturabileceği bir proje olan Womanhouse’u kurdu. Mary Beth Edelson, Lynda Benglis , Martha Rosler , Carolee Schneemann , Suzanne Lacy ,Leslie Labowitz , Bia Lowe, Barbara Kruger önde gelen feminist sanatçılardı. Judy Chicago, hem Feminist Sanat hem de Enstalasyon Sanatının ikonik bir örneği olan Akşam Yemeği Partisi (1974-79) ile ünlü olurken, Carolee Schneemann’ın performansları Feminist, Beden Sanatı ve Performans hareketlerine öncülük ediyordu.
1960’larda Performans sanatı, sanatçının, bazen işbirlikçileriyle veya icracılarla, sanatçı ile sanat eseri arasındaki tüm sınırları sildiği canlı olayları vurguladı. Uluslararası hareket, Dada, Fütürizm ve Sürrealizm de dahil olmak üzere bir dizi erken avangart eğilime dayanıyordu. Performans sanatçıları, bazen “eylemler” olarak adlandırılan şeyleri sahneleyerek genellikle izleyiciyle yüzleşti.
Amerikan Sanat Tarihi konusu detaylı olarak makalede anlatılmıştır.
tarafından Arthipo | 15 Eylül 2021 | Sanat Tarihi
Alman Sanat Tarihi
Alman sanat tarihi, görsel sanatlar, mimari, edebiyat gibi alanlarda dünya sanat tarihinde önemli bir yer tutar. Alman düşüncesini anlamak için derin bir incelemeye gerek vardır.
Alman Görsel Sanatları
Almanya, görsel sanatlarda güçlü ve zengin bir geleneğe sahiptir. Fransa ve Almanya’da popüler olan Gotik tarzda resimler ve heykeller, genellikle kiliseleri süslemek için yapıldı ve ışıklı el yazmaları ve vitraylar da yaratıldı. XV. yüzyılda resim, heykel ve mimari sanatlarını birleştiren sunak eserlerin tasarımı popüler bir arayış haline geldi ve kitap baskısının yükselişi birçok ince gravür illüstrasyonunun tasarımına öncülük etti. XV. ve XVI. yüzyılın sonlarında, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald ve Hans Holbein the Younger’ın da dahil olduğu ve İtalyan Rönesansından etkilenen bir tarzda çalışan Alman sanatçılardan oluşan bir nesli ortaya çıktı ve çalışmaları Alman sanatında altın bir çağı temsil ediyordu. Bu dönemde, 1520’lerin Protestan Reformu, Dürer’in sayısız otoportresinde görüldüğü gibi, putperest olarak kabul edilen ve daha seküler konulara yol açan bazı sanatların yok edilmesine yol açtı.
Sonraki nesil sanatçılar, Barok ve Rokoko’daki Fransız ve İtalyan varyasyonlarını araştırdılar, ancak Alman sanatı, teorisyen Johann Winckelmann ve bir dizi yeni sanat akademisi tarafından savunulan sakin bir Neoklasisizmin XVIII. yüzyılın ortalarına kadar kesin bir ulusal karakter geliştirmedi.
20. yüzyılın Alman ressamları, özellikle Die Brücke (“The Bridge”) ve Der Blaue Reiter (“The Blue Rider”) gibi gruplar, Avrupa sanatında yeni bir Ekspresyonist akım geliştirdiler. 1916’dan itibaren Kurt Schwitters, George Grosz, Hannah Höch, John Heartfield ve diğerleri Dada’nın daha teorik endişelerini araştırırken, 1920’lerde Otto Dix ve fotoğrafçı August Sander gibi sanatçılar Neue olarak bilinen gerçekçi, sosyal açıdan eleştirel tarzda çalıştı.
Bu ve diğer gelişmeler, 1933’te Nasyonal Sosyalistlerin yükselişiyle durdu. Hitler ve Nazi rejimi, Wassily Kandinsky, Emil Nolde ve Ernst Ludwig Kirchner gibi sanatçılarla alay etmek amacıyla 1937’de ‘’Entartete Kunst’’ ( Dejenere Sanat) gösterisini düzenleyerek modern sanatı kınadı . Muhafazakar Alman peyzaj sanatı bunun yerine ideal bir sanat formu olarak tanıtıldı.
İkinci Dünya Savaşı sonrası, Doğu Almanya’da bir çeşit Sosyalist Gerçekçilik sanatsal pratiği hakim oldu. Ancak Batı Almanya’da ise birçok sanatçı Soyut Dışavurumculuk, Pop art, minimalizm ve Op art gibi avangart akımları denedi. 1960’larda Joseph Beuys, “yüksek sanat” tanımına meydan okuyan heykel, performans sanatı ve enstalasyon sanatı yarattı. Yağ ve keçe gibi malzemeleri bir araya getiren Beuys’un çalışması, Pop art’ın sanatı gündelik deneyimin alanına getirme amacına yönelik bireysel bir yaklaşımı temsil ediyordu. Belki de 1970’lerin en dikkate değer Alman, figürü fotoğraflara dayanan resimleri ile tanınan Gerhard Richter, fotoğraf ve resim medyası arasındaki çizgileri bulanıklaştıran, güzelce işlenmiş çalışmaları, postmodern sanatı karakterize edecek geleneksel formlara meydan okumayı öngördü. Alman sanatı yine uluslararası sanat dünyasının merkezindeydi. Neo-Ekspresyonizm, 1980’lerin baskın uluslararası eğilimi haline geldi.
Alman Mimarisi, Alman Sanat Tarihi Mimari Özellikleri
Alman mimarisi, tarihi boyunca Avrupa’nın başka yerlerinden gelen etkileri kendi ulusal karakteriyle birleştirdi. Orta Çağ’da, hakim olan Romanesk tarzıydı. 13. yüzyılda, Gotik üslup hakim olurken, Köln’deki (1248’de başladı) ve Strasbourg’daki (1277’de planlanan) katedraller de dahil olmak üzere Almanya’nın en dikkate değer yapılarından bazıları inşa edildi. Gotik ve Rönesans stillerinin varyasyonları 15. ve 16. yüzyıllarda baskın oldu, ancak Protestan Reformu’ndan sonra ayrıntılı dini yapılar için komisyonlar bir süreliğine azaldı. XVII. yüzyılda, giderek artan miktarda süslemenin kiliselerin ve sarayların temel özelliği haline gelmesiyle Gotik’in yeniden canlanması başladı. Prusya’nın devlet mimarı olan Karl Friedrich Schinkel’in romantik renklere sahip Neoklasizm’i 1815’te somutlaştırdı. Radikal mimari bu dönemde genel olarak bastırılmış olsa da, kısmen Jugendstil hareketinden esinlenen bazı mimarlar Henry van de Velde ve Peter Behrens gibi figürler, yüzyılın başında moderniteden çok kopuk görünen mimarinin geçerliliğini sorguladılar; bu tür sorgulama, XX. yüzyılda Alman mimarisini karakterize eden radikal deneylerin kapısını açtı.
Çağdaş Alman mimarisi, 1920’lerde Weimar’da ortaya çıkan ve Walter Gropius ve Ludwig Mies van der Rohe isimleriyle ilişkilendirilen Bauhaus okuluydu. Savaş sonrası yıllarda, Bauhaus okulunun dogmaları – stilin işlevle katı uyumu ve malzemelerin içsel güzelliği üzerindeki ısrarın yanı sıra dekoratifliğe karşı püriten bir küçümseme de vardı. Yine de Batı Almanya’da, 1960’larda ve 1970’lerde başka yerlerde olduğu gibi, katı Bauhaus tarzı, “sadece işlev değil, aynı zamanda kurgu” olarak da kabul edilen, daha özgür bir postmodernizm’e boyun eğmeye başladı. Bu okulun önde gelen temsilcileri arasında Josef Paul Kleihues, Oswald Mathias Ungers ve Rob ve Leon Krier kardeşler bulunmaktadır.
Alman Mimarisi, Alman Sanat Tarihi Mimari Özellikleri, Berlin
Mimari gelişmeler Doğu Almanya, Sovyet ideolojik ilkelerinin ve modellerinin etkisini yansıtıyordu. Doğu bölgesindeki binalar, oranlarının çokluğu bakımından Batı Almanya’dakilerden farklıdır. Doğudaki başlıca gösteri parçaları Berlin, Unter den Linden, Marx-Engels-Platz, Alexanderplatz ve Karl-Marx-Allee boyunca hükümet binaları, apartman blokları, oteller ve kamusal alanlar ve şaşırtıcı derecede zarafetsiz Leipziger-Strasse ve bunların abartılı dekorasyonlarına tanıklık ediyor. Komünist rejimdeki mimari, ister yatay ister dikey olsun, aşırı boyutlarla değil, aynı zamanda nadiren renk kırpmayla hafifletilen monoton beyaz cephelerle de hemen tanınabilir. İdeolojik faktörlerin müdahale ettiği yerler dışında (Berlin Sarayının yıkılmasında olduğu gibi), Doğu Alman hükümeti tarihi binaların korunması konusunda makul bir sicile sahipti.
Doğu ve Batı Almanya’nın birleşmeden sonra uzun zamandır sessiz olan Berlin’in kalbindeki Potsdamer Platz bir zamanlar Berlin’in ekonomik ve idari hayatının odak noktalarından biri, Renzo Piano , Helmut Jahn ve Richard Rogers gibi uluslararası üne sahip mimarlar tarafından bir dizi kamu ve özel binaların inşası ile canlandı . Biraz sert sanatsal ve politik tartışmalardan sonra, bölgede Peter Eisenman tarafından tasarlanan bir Holokost anıtı açıldı.
Alman Sanat Tarihi Müzeler ve Galeriler
Almanya binlerce müzesiyle, dünyanın en büyük resim ve heykel koleksiyonlarından veya arkeolojik ve bilimsel sergilerden bazılarını barındırır. Önemli müzeler ve galeriler arasında; Berlin’deki Prusya Kültür Varlıkları Vakfı – yani,Pergamon Müzesi, Eski (Altes) Müzesi, Yeni (Neues) Müzesi, Ulusal Galeri (Nationalgalerie) ve Bode Museum-Zwinger Müzesi ve içinde (Gottfried Semper tarafından inşa edilmiş) Resim Galeri Dresden , Bavyera Devlet Resim Galerileri ve Deutsches Museum in Münih , Alman Ulusal Müzesi Nürnberg’de , Roma-Germen Merkez Müzesi Mainz ait Senckenberg Müzesi Frankfurt am Main’deki doğa bilimleri ve Eyalet Galerisi Stuttgart’ta. Bazı müzeler son derece uzmanlaşmıştır, tek bir sanatçıya, okula veya türe adanmıştır, ancak çoğu doğa bilimi ile güzel sanatları birleştirir. Stuttgart’taki Linden Müzesi, Regensburg’daki Doğu Alman Galeri Müzesi ve Berlin-Dahlem’deki Etnoloji Müzesi gibi birçok etnoloji müze ve daha bir çok kütüphaneler, arşivler, kaleler, katedraller, kiliseler ve manastırlar bulunmaktadır. Berlin-Dahlem Botanik Bahçesi ve Botanik Müzesi, XVII yüzyılda kurulan Alman’ın eski botanik bahçesidir. Alman sanat tarihi oldukça çeşitli eserlerler doludur.
Die Brücke (Köprü)
1905’te Dresden’de bir grup Alman dışavurumcu sanatçı “Die Brücke” yi kurdu. Die Brücke bazen Fauvism ile karşılaştırılır.
Her iki hareket de ilkel sanata ve alışılmadık renk kullanımıyla aşırı duyguları ifade etmeye ilgi duyuyordu. Hem Die Brucke hem de Fauvism kaba çizimlere yöneldi ve yine de tamamen soyutlamayı reddettiler çünkü resimlerinin duygu göstermesi onlar için önemliydi. Bununla birlikte, Die Brücke sanatçılarının şehir sokaklarının resimleri ve cinsel içerikli sahneler, Fauvism’i karşılaştırarak evcilleştiriyor.
Die Brucke’nin kurucu üyeleri Fritz Bleyl (1880–1966), Erich Heckel (1883–1970), Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) ve Karl Schmidt-Rottluff (1884–1976) idi. Daha sonra 1906’da Emil Nolde (1867–1956) ve Max Pechstein (1881–1955) katıldı. Otto Mueller (1874–1930) 1910’da katıldı. Grubun 20. yüzyılda modern sanatın evrimi ve Ekspresyonizm üzerinde güçlü bir etkisi oldu.
Dört kurucu üye Jugendstil mimarisiydi ve Kirchner ve Bleyl’in 1901’de çalışmaya başladıkları ve ilk dönemlerinde yakın arkadaş oldukları Dresden’deki Königliche Technische Hochschule (teknik üniversite) aracılığıyla tanıştılar. Sanatı, doğayı ve radikal ideolojiyi tartıştılar.
Die Brücke
Die Brücke sanatçıları, geleneksel akademik sanat tarzını reddetmeyi ve geçmiş ile günümüz sanatsal hareketleri arasında bir köprü (dolayısıyla adı) bulmayı amaçladılar. Albrecht Dürer, Matthias Grünewald ve Lucas Cranach the Elder’a saygılarını sundular, ancak çağdaş uluslararası avangart hareketlerden yeni fikirleri dahil etmek istediler.
Grup, gravür baskılar gibi eski medyayı canlandırdı ve linocut baskı tekniğini icat etti, ancak o zamanlar çalışmalarını geleneksel gravür olarak tanımladı. Canlı renkler, duygusal gerilim, şiddet / cinsel imgeleme dayalı ortak bir tarz geliştirdiler ve ilkelcilikten etkiler aldılar. Başlangıçta Dresden’de kentsel konuya odaklandılar, ancak Mueller’in düzenlediği geziler sayesinde güney Almanya’ya seferler yapmaya başladılar. Bu geziler epeyce çıplak ve kırsal sahneler üretti.
Grup üyeleri başlangıçta kendilerini Dresden burjuva geçmişlerinden “izole etmeye” ve kendilerini işçi sınıfı ve bohemlerle çevrelemeye çalıştılar. Erich Heckel, Friedrichstadt’daki Berlinerstrasse’deki boş bir kasap dükkanını stüdyo olarak kiraladı. Fritz Bleyl stüdyoyu şöyle tanımladı: “Her yerde duran resimler, çizimler, kitaplar ve sanatçının malzemeleriyle dolu gerçek bir bohem.
Sosyal çevrelerinden modeller kullandılar, genellikle profesyoneller yerine sevgililer. Hızı ve kendiliğindenliği teşvik etmek için 15 dakikalık pozlar kullandılar. Fritz Bleyl böyle bir modeli, mahalleden on beş yaşındaki bir kız çocuğu olan Isabella’yı “çok canlı, güzel yapılı, neşeli, korsenin aptal modasının neden olduğu herhangi bir deformasyona uğramayan ve sanatsal taleplerimize tamamen uygun bir birey olarak tanımladı. özellikle de kız gibi tomurcuklarının çiçek açması durumunda. ”
Die Brücke sanatçıları bir manifesto (çoğunlukla Kirchner tarafından yazılmıştır) hazırladılar, bu manifesto daha sonra ahşaba oyuldu, böylece seri üretebildiler. Manifesto, “işimizde ve hayatımızda özgürlük, eski, yerleşik güçlerden bağımsız olmak isteyen” yeni bir nesli öne sürüyordu.
Jugendstil
1890’ların ortalarında Jugendstil olarak bilinen sanatsal ve mimari bir tarz ortaya çıktı. Aslında Art Nouveau hareketinin Alman koluydu. Tarz 1910’a kadar devam etti. Tarz, adını Münih dergisi “Die Jugend” den almıştır.
Sanat tarihçileri, Jugendstil hareketinde esasen iki aşamanın bulunduğu konusunda hemfikirdir.
Jugendstil
Novembergruppe (Kasım Grubu)
Novembergruppe, Alman dışavurumcu sanatçı ve mimarlardan oluşan bir gruptu. 3 Aralık 1918’de kurulan ismini, devrimci ve isyancı olarak kabul edilmek istedikleri için Alman Devrimi ayından aldılar. Novembergruppe sanatçıları, sanatın nasıl öğretildiğini ve kanunların sanatçıları nasıl etkilediğini değiştirmeye çalışan kendilerini radikal ve devrimci olarak tanımladılar. Radikal sanatçılar, sanat okullarının organizasyonunda ve sanatçılarla ilgili yeni yasalarda daha fazla söz sahibi olmak için kampanya yürüttüler. Alman sanat tarihi öne çıkan gruplardan biridir.
Sanatçılar arasındaki stil bolluğu, herhangi bir stil olarak sınıflandırmayı zorlaştırıyor. Biçimsel olarak grup, Kübizm, Fütürizm ve İfade’nin bir füzyonuydu.
Çoğunlukla ressamlar César Klein ve Max Pechstein (iki elebaşı) tarafından kurulan dışavurumcu sanat tarzları, ortak sosyalist etiklerini de içeriyordu. Diğer kurucu üyeler arasında ressamlar Georg Tappert, Moriz Melzer ve Heinrich Richter vardı.
Novembergruppe (Kasım Grubu), Alman Sanat Tarihi
12 Mart 1918’deki ilk Novembergruppe toplantısına Karl Jakob Hirsch, Bernhard Hasler, Richard Janthur, Rudolf Bauer, Bruno Krauskopf, Otto Freundlich, Wilhelm Schmid, heykeltıraş Rudolf Belling ve mimar Erich Mendelsohn katıldı. Bu onların ilk çalışma komitesi oldu.
Amaçları Arbeitsrat für Kunst’a benzediğinden, Novembergruppe Almanya’da sosyalist bir devrimi desteklemeyi amaçladı.
Temel hedefleri, Alman toplumunun kamusal ve kültürel yönlerini etkileyerek insanlara sanatı getirmekti. Sık sık sanat festivalleri, kostüm partileri, stüdyo turları, edebi ve müzik etkinlikleri ve ayrıca Haziran 1924’teki Büyük Berlin Sanat Sergisi düzenlediler.
Sanat Akımı içindeki bölünmeler
1921’de Novembergruppe’nin aşırı sol kanadından sanatçılar, sanatçıların “burjuva gelişimine” bir son verilmesi çağrısında bulundular.
Bazı sanatçıların, yani doğru Novembergruppe’un çok fazla para kazandığına inanıyorlardı. Sol kanat üyeleri bir bildiri imzaladılar. İmzacılar Otto Dix, George Grosz, Raoul Hausmann, John Heartfield, Hannah Höch, Rudolf Schlichter ve Georg Scholz’du.
1922’ye gelindiğinde gruptaki bu bölünme, grubun ayrı gruplar haline gelmesine ve Deutschland’daki Kartell fortschrittlicher Künstlergruppen (Almanya’daki gelişmiş sanat gruplarının karteli) dahil olmak üzere yeni küçük grupların oluşmasına yol açtı. Hareket büyüdükçe, müzisyenler Max Butting ve Hans Heinz Stuckenschmidt de dahil olmak üzere diğer sanat alanlarından insanları cezbetti.
Alman sanat tarihi, büyük ustaları ve büyük toplumsal sancıları da içinde taşır.
tarafından Arthipo | 14 Eylül 2021 | Sanat Tarihi
İlk çağda sanat anlayışını anlamak için bir kaç farklı dönemden bakmak gerekir: Hellenistik dönem, Roma dönemi ve Hıristiyanlık.
İlk Çağda Sanat, Antik Çağlarda Sanat Anlayışı Nasıldı?
Erken antik çağ, MÖ 4,500 civarında beşinci binyılda başlar. Batı’daki medeniyetin aşamalı başlangıcıyla ilişkilendirilir. ilk “birleşik halklar” veya kültürler (Sümer, Pers, Akad, Babil, Hitit ve Asur) ve Mezopotamya’daki Uruk gibi ilk şehir devletleri. Artan sosyal organizasyon ve uyum, tipik olarak Zigguratlar, Piramitler ve diğer ayrıntılı mezar türleri gibi ve Bakır kullanımı gibi metalurjinin gelişimi. Mezopotamya uygarlığın ilk beşiğiydi, onu Mısır ve Nil’in her iki tarafındaki toprakları izledi. Bu iki kültürün (özellikle Mısır taş işçiliğinin) ürettiği sanatsal gelenekler, özellikle Antik Yunan kültürleri olmak üzere başarılı kültürler üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Mezopotamya uygarlığı (Sümer, Akad, Babil, Hitit ve Asur) Küçük Asya, Levant ve Doğu Akdeniz’e ve Ege boyunca Girit, Kiklad Adaları’na ve Miken’e kadar yayıldı. Genel olarak Ege sanatı yenilikçi seramik sanatı ile karakterize edilirken, Girit veya Minos sanatı Knossos, Akrotiri ve diğer yerlerdeki Saray mimarisiyle örneklendirilir. Protopalatial dönemden ve Neopalatial dönemden Miken sanatı, Vapheio Kupaları ve mücevher oymacılığı (mühürler) ile örneklenen kuyumculuk ve mücevherleriyle ünlüdür. Bu arada Mısır sanatı güneye doğru gelişmeye devam etti.
İlk Çağda Sanat, Klasik Antik Çağ Tarihi
Antik çağlarda sanatın gelişiminde temel etki Hellenistik kültür ve Roma kültürüdür. Şimdi bu kısımları inceleyelim.
Antik Yunanistan’ın Arkaik Dönemi Sanat (MÖ 800-500)
Doğu Akdeniz’de güney Avrupa ve Karadeniz bölgesinden gelen göçlerin tetiklediği bir karışıklık döneminden sonra yaklaşık MÖ 800’den itibaren Antik Yunanistan, refah ve güçte kademeli bir artış yaşamaya başladı. Böylece, örneğin 776’da ilk Olimpiyat Oyunları Olimpiya’da yapılırken, 750 civarında ilk Yunan alfabesinin kanıtlarını görüyoruz. Arkaik çağda Antik Yunanistan, Yeni Asur İmparatorluğu’nun sınırındaydı ve kendi kültürünün yanında diğer Orta Doğu ülkelerinden, sanattan ve ayrıca din ve mitolojiden de öğeler almaya devam etti. Arkaik dönemin geleneksel olarak Atina’nın son tiranın devrilmesi ve Atina Demokrasisinin (MÖ 508) başlamasıyla sona erdiği söylenir.Yunan seramiği , özellikle Geometrik, Oryantal ve Siyah Figür tarzlarında. Bu dönemdeki heykeller , ayakta çıplak gençlik (kouros) ve ayakta duran bol dökümlü kız (kore) gibi sert, hiyeratik pozlardaki heykellerle temsil edilir.
Antik Yunan Klasik Dönemi Sanat (MÖ 500-323)
“Klasik Yunan Kültürü” olarak bilinen Klasik Antik Çağ’ın bu döneminde, tüm Batı Medeniyetinin temeli olan Yunan Medeniyetinin zirvesini görüyoruz. Klasik Yunan kültürü, onun versiyonlarını imparatorluklarının tüm bölgelerine ihraç eden Romalılar üzerinde son derece etkiliydi. Sonuç olarak, Antik Yunan fikirleri ve değerleri, özellikle Avrupa’da Rönesans sanatı döneminde ve daha sonra Neoklasik sanat ve Neoklasik mimari döneminde modern dünyanın sanatı ve mimarisi üzerinde büyük bir etkiye sahip olmuştur. 18. Avrupa ve 19. yüzyıl Amerika’sında. Aslında, Yunan sanatının hümanist estetiği ve yüksek teknik standartları 19. yüzyılın sonlarına kadar Batı’daki akademik sanat değerlerine hâkim olmaya devam etti. Perslerin askeri yenilgisiyle başlayan Klasik Dönem, yaklaşık MÖ 400 yılına kadar Atina ve Delos Birliği’nin hakimiyetindeydi. Bundan sonra, hegemonya Thebes ve Boeotian Ligi’ne geçmeden önce Sparta bir süre egemen oldu. Son aşamaya Makedon liderliğindeki Korint Ligi hakim oldu.
İlk Çağda Sanat Hellenistik Dönemi, Antik Yunan Dönemi Sanatı, Athena Heykeli
Klasik Yunan sanatı, Athena Parthenos’un devasa kriselefantin heykeliyle birlikte Olympia’daki Zeus Tapınağı, Hephaistos Tapınağı, Athena Nike Tapınağı ve Delphi’deki Tiyatro öne çıkmıştır.
İlk Çağda Sanat Helenistik Dönemi (MÖ 323-27)
Klasik Antik Çağ’ın Helenistik dönemi, Büyük İskender’in MÖ 323’teki ölümünden, Romalıların MÖ 31’deki Actium Muharebesi’ndeki tanımlayıcı zaferine ve ardından Ptolemaik Mısır’ın fethine kadar uzanır. Yunan kültürünün Akdeniz Havzası boyunca ve Avrupa, Afrika ve Asya’ya yayılmasına tanık oldu. Örneğin Batı’da Roma sanatı çoğunlukla Yunan modellerine dayanıyordu, Doğu’da ise Büyük İskender’in fetihleri.Yüzyıllar boyunca Levant, Orta Asya ve Hint kültürleri üzerinde Yunan etkisine yol açtı ve Japonya’ya kadar zincirleme etkilerle Greko-Budist sanatının formlarına yol açtı. Dönemin genellikle Yunan Klasik döneminin parlaklığından daha aşağı olduğu düşünülse de, Helenizm yeni, çoğu zaman sinirli bir dışavurumculuk başlattı. Efes antik kentinde mimaris
Roma Döneminde Sanat (MÖ 27 – MS 330)
Bu dönem, Mısırlıların Roma yenilgisinden, MS 330’da Roma İmparatorluğu’nun yeni Doğu başkenti Konstantin tarafından Bizans’ın (Konstantinopolis) kurulmasına kadar uzanır. İmparatorluk Roma’nın tüm dönemini kapsayan Pax Romana ve Roma imparatorlarının ve diğer ileri gelenlerin on binlerce portre büstünün imalatı yoluyla Roma’nın yüceltilmesi. Kültürel açıdan, bu dönem her şeyden önce olağanüstü Roma mimarisi ile karakterize edilir ( Pont Du Gard Su Kemeri, Titus Kemeri, Trajan Hamamları, Trajan Köprüsü, Diocletian Hamamları, Konstantin Kemeri, Roma kabartma heykelleri, Augustan Barış Sunağı, Trajan Sütunu, Antoninus Pius Sütunu, ve Marcus Aurelius Sütunu gibi).
Laocoon ve Oğulları, Antik Roma Döneminde Sanat
Hıristiyanlık Dönemi Sanat (330-472)
Klasik Antikliğin son dönemi, Batı’daki son Roma İmparatoru Anthemius’un ölümüne kadar Hıristiyanlaşma dönemini kapsıyor. Roma’nın düşüşünden sonra Ravenna, Roma İmparatorluğu’nun yeni Batı başkenti oldu. İmparatorluğun sınırları Barbarlar tarafından aşamalı olarak istila edildiğinden Aslında Avrupa kıtası, Karanlık Çağlar olarak bilinen dört asırlık kültürel durgunluk yaşayacaktı. Erken Hıristiyan kültürü ve eserleri hakkındaki bilgilerimizin neredeyse tamamı büyük ölçüde arkeolojik keşiflerden gelmektedir.
Ne yazık ki, ilk üç yüzyıldaki Hristiyan inancından çok az kutsal sanat eseri veya tasarım hayatta kaldı, çünkü çoğunlukla ilk Hıristiyanların büyük bir kısmı fakir insanlar veya kölelerdi. İlk Hıristiyanlık ve Yahudilik arasındaki bağlantılar ve İkinci Emir nedeniyle Yahudilerin imgelere ve putperestliğe karşı oluşları nedeniyle, Mesih ve Kutsal Aile’nin tüm resimlerinin yasaklanmış olacağı düşünülebilir. Ancak bu Emir, Diaspora’daki Helenleşmiş Yahudiler arasında sıkı bir şekilde uygulanmadı. Yine de bu sanat biçiminin ilk örnekleri, MS 313’te Hristiyanlığı yasallaştıran Konstantin’in Milano Fermanı’ndan çok önce MS 150 civarında ortaya çıktı. Neredeyse tüm bu erken Hıristiyan eserleri Batı’da bulundu ve başlangıçta pagan formlarına ve geleneklerine dayanıyordu. Klasik Antik Çağın Hristiyan Dönemi’nin kültürel özellikleri arasında görkemli Ravenna Mozaikleri ve ayrıca San Vitale Bazilikası, Konstantinopolis’teki Chora Kilisesi gibi mimari şaheserler bulunmaktadır.
tarafından Arthipo | 13 Eylül 2021 | Sanat Tarihi
Antik Mısır sanatı ve mimarisi dünyada popüler konulardan biridir. Bir çok filme konu olmuş eski Mısır kültürü birçok insanın dikkati çekmiştir.
Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi
Eski Krallık döneminde Mısır Sanatı, Eski Mısır sanatı, MÖ 3000 ile MS 100 yılları arasında yaratılan resim, heykel, mimari ve papirüs üzerindeki çizimler gibi diğer sanat türlerini içerir. Bu sanatın çoğu oldukça stilize ve sembolikti. Hayatta kalan formların çoğu mezarlardan ve anıtlardan gelir ve bu nedenle ölümden sonraki hayata ve bilginin korunmasına odaklanır. Sembolizm, firavunun kıyafetlerinde veya belirli renklerin kullanımıyla gösterilen düzen anlamına geliyordu. Mısır sanatında, bir figürün büyüklüğü onun göreceli önemini gösterir. Resimler genellikle taş üzerine yapıldı ve mezarlarda öbür dünyaya ait hoş sahneler tasvir edildi. Eski Mısırlılar, batık kabartma tekniğini kullanarak hem anıtsal hem de daha küçük heykeller yarattılar. Fayans, birçok renkte nispeten ucuz küçük nesneler oluşturmak için kullanılan yüzey vitrifikasyonlu sinterlenmiş kuvars seramikti.
Cam başlangıçta lüks bir üründü, ancak daha yaygın hale geldi ve mezarlara yerleştirilecek parfüm ve diğer sıvılar için küçük kavanozlar yapmak için kullanıldı. Vazo, muska ve tanrıların ve hayvanların resimleri steatitten yapılmıştır. Çanak çömlek bazen, özellikle mavi renkte emaye ile kaplandı. Papirüs, yazı ve resim yapmak için kullanıldı ve Mısır yaşamının her yönünü kaydetmek için kullanıldı. Mimarlar, binaları gündönümleri ve ekinokslar gibi astronomik açıdan önemli olaylarla hizalayarak dikkatlice planladılar. Çoğunlukla güneşte pişmiş kerpiç, kireçtaşı, kumtaşı ve granit kullandılar. Amarna dönemi (MÖ 1353-1336), eski Mısır sanat tarzındaki bir kesintiyi temsil ediyor, konular daha gerçekçi bir şekilde temsil ediliyordu ve sahneler kraliyet ailesi arasında sevgi tasvirlerini içeriyordu.
Eski Mısır sanatı, MÖ 3000 ile MS 100 yılları arasında oluşturulan papirüs üzerindeki çizimler gibi resim, heykel, mimari ve diğer sanat türlerini içerir. Bu sanatın çoğu oldukça stilize ve sembolikti. Hayatta kalan formların çoğu mezarlardan ve anıtlardan gelir ve bu nedenle ölümden sonraki hayata ve bilginin korunmasına odaklanır.
Antik Mısır Sanatında Sembolizm
Eski Mısır sanatındaki sembolizm, bir düzen duygusu ve doğal unsurların etkisini iletti. Firavunun hükümdarlığı, onun evrenin düzenini yönetme ve sürdürme gücünü sembolize ediyordu. Mavi ve altın, nadir oldukları ve değerli malzemelerle ilişkilendirildikleri için kutsallığı gösterirken, siyahlar Nil Nehri’nin verimliliğini ifade ediyordu.
Hiyerarşik Ölçek
Mısır sanatında, bir figürün büyüklüğü onun göreceli önemini gösterir. Bu, tanrıların veya firavunun genellikle diğer figürlerden daha büyük olduğu anlamına geliyordu, bunu yüksek görevliler veya mezar sahibi figürleri izliyordu; en küçük figürler hizmetkarlar, eğlenceler, hayvanlar, ağaçlar ve mimari detaylardı.
Boyama
Bir taş yüzeyi boyamadan önce beyaz badanalıydı ve bazen çamur sıva ile kaplandı. Pigmentler mineralden yapılmıştır ve minimum solma ile güçlü güneş ışığına dayanabilir. Bağlanma ortamı bilinmiyor; boya kurumuş sıvaya “fresco a secco” tarzında uygulandı. Daha sonra Mısır’ın kuru iklimi ile birlikte resmi çok iyi koruyan koruyucu bir kaplama olarak bir vernik veya reçine uygulandı. Mezar resimlerinin amacı ölen kişi için, öbür dünyada yolculuk etmek veya koruma sağlayan tanrılar gibi temalarla hoş bir ölümden sonraki yaşam yaratmaktı. Genel olarak kişinin veya hayvanın yandan görünüşü gösterilmiş ve resimler genellikle kırmızı, mavi, yeşil, altın, siyah ve sarı renklerde yapılmıştır.
Eski Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi’nde Heykel
Eski Mısırlılar, batık kabartma tekniğini kullanarak hem anıtsal hem de daha küçük heykeller yarattılar. Bu teknikte görüntü, rölyef heykelin görüntünün etrafında şekillenen batık bir alan içerisine yerleştirilmiş düz bir yüzeye kesilmesi ile yapılır. Güçlü güneş ışığında, bu teknik çok görünür olup, ana hatları ve formları gölgeyle vurgular. Figürler gövde öne bakacak şekilde, baş yandan görünüşte ve bacaklar ayrık olarak gösterilmektedir, erkekler bazen kadınlardan daha koyu renktedir. Büyük tanrı heykelleri (firavun dışında) yaygın değildi, ancak tanrılar genellikle resimlerde ve kabartmalarda gösteriliyordu. Büyük Gize Sfenksi ölçeğindeki devasa heykel tekrarlanmadı, ancak tapınak komplekslerinde daha küçük sfenksler ve hayvanlar bulundu.
Eski Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi’nde Heykel
Bir tapınağın tanrısının en kutsal kült imgesi, sözde naosta küçük teknelerde tutuldu, değerli metallerden oyulmuştu, ancak hiçbiri hayatta kalmadı. Ruhun ka kısmına dinlenme yeri sağlaması amaçlanan Ka heykelleri, IV. Hanedan (M.Ö. 2680-2565) tarihinden itibaren mezarlarda bulunmaktaydı. Bunlar genellikle ahşaptan yapılmıştır ve düz, tüysüz ve natüralist olan yedek kafalar olarak adlandırılırdı. İlk mezarlar öteki dünyada ölenlere yaşam sağlamak için küçük köleler, hayvanlar, binalar ve nesneler modellerine sahipti. Daha sonra, uhabti figürleri, ölen kişinin öbür dünyada el emeği yapması için çağrılması durumunda ölen kişinin hizmetçisi olarak hareket edecek cenaze figürleri olarak mevcuttu.
Fayans, Çömlekçilik ve Cam
Fayans, birçok renkte, ancak en yaygın olarak mavi-yeşil olmak üzere, nispeten ucuz, küçük nesneler oluşturmak için kullanılan yüzey vitrifikasyonu ile sinterlenmiş-kuvars seramikti. Genellikle mücevherler, bok böcekleri ve figürinler için kullanılmıştır. Cam başlangıçta lüks bir üründü, ancak daha yaygın hale geldi ve mezarlara yerleştirilecek küçük kavanozlar, parfüm ve diğer sıvılardan yapmak için kullanıldı. Vazo, muska ve tanrıların ve hayvanların resimleri steatitten yapılmıştır. Çanak çömlek bazen, özellikle mavi renkte emaye ile kaplandı. Mezarlarda, çanak çömlek, mumyalama sırasında çıkarılan bedenin organlarını temsil etmek veya ölen kişinin efsaneleriyle oyulmuş yaklaşık on inç uzunluğunda koniler oluşturmak için kullanılmıştır.
Papirüs
Papirüs çok hassastır ve yazı ve resim için kullanılmıştır; ancak mezarlara gömüldüğünde uzun süre ayakta kalabilmiştir. Mısır yaşamının her yönü, edebi belgelerden idari belgelere kadar papirüse kaydedilmiş olarak bulunur.
Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi Mimari
Mimarlar, binaları, gündönümleri ve ekinokslar gibi astronomik açıdan önemli olaylarla hizalayarak dikkatlice planladılar ve çoğunlukla güneşte pişmiş kerpiç, kireçtaşı, kumtaşı ve granit kullandılar. Taş, mezarlar ve tapınaklar için ayrılmışken, saraylar ve kaleler gibi diğer binalar tuğladan yapılmıştır. Evler güneşte sertleşen Nil Nehri’nin çamurundan yapılmıştır. Bu evlerin çoğu sel nedeniyle yıkıldı veya söküldü; Korunan yapıların örnekleri arasında Deir al-Medinah köyü ve Buhen’deki kale sayılabilir. Dördüncü Hanedan döneminde inşa edilen Mısır Piramitleri; Giza Nekropolü, Khufu Piramidi (Büyük Piramit veya Cheops Piramidi olarak da bilinir), Khafre Piramidi ve Menkaure Piramidi ile birlikte daha küçük “kraliçe” piramitleri ve Büyük Sfenks. Karnak Tapınağı ilk olarak MÖ 16. yüzyılda inşa edilmiştir. Binalara yaklaşık 30 firavun katkıda bulunarak son derece büyük ve çeşitli bir kompleks yarattı. Amon-ra, Montu ve Mut Bölgelerini ve Amehotep IV Tapınağı’nı içerir. Luksor Tapınağı, MÖ 14. yüzyılda III. Amenhotep tarafından, şimdi Luksor olan Thebes antik kentinde, MÖ 13. yüzyılda II. Ramesses tarafından büyük bir genişleme ile inşa edildi. 79 fit yüksekliğindeki İlk Pilonu, frizleri, heykelleri ve sütunları içerir.
Antik Mısır Mimarisi
Amarna Dönemi (MÖ 1353-1336)
Eski Mısır sanatı ve mimarisi tarzında bir kesintiyi temsil eden bu dönemde, konular daha gerçekçi bir şekilde temsil edildi ve sahneler kraliyet ailesi arasında sevgi tasvirlerini içeriyordu. Resimlerde üst üste binen figürler ve büyük kalabalıklarla birlikte bir hareket duygusu vardı. Tarz olarak, Akhenaten’in tektanrıcılığa geçişini yansıtıyor, ancak ölümünden sonra ortadan kayboldu.
Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi Özellikleri
Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi, antik mimari anıtlar, heykeller, tablolar, ve uygulamalı el sanatları ilk üç bin hanedan dönemlerde ağırlıklı olarak üretilen MÖ Nil vadisi bölgelerinde Mısır ve Nubia. Mısır’da sanatın seyri büyük ölçüde ülkenin siyasi tarihine paraleldi, ancak aynı zamanda doğal, ilahi olarak buyurulmuş düzenin kalıcılığına olan köklü inanca da bağlıydı. Hem mimaride hem de temsili sanatta sanatsal başarı, dünyanın mükemmelliğini ilk zamanlarda yansıtmak için düzenlenen formların ve konvansiyonların korunmasını amaçlamaktadır. Yaratılış anı ve insanlık, kral ve tanrıların panteonu arasındaki doğru ilişkiyi somutlaştırmak. Bu nedenle Mısır sanatı, gelişmeye ve bireysel sanatsal yargıların uygulanmasına dışa karşı dirençli görünmektedir, ancak her tarihsel dönemin Mısırlı zanaatkârları, kendilerine getirilen kavramsal zorluklara farklı çözümler bulmuşlardır.
Antik mısır sanatı ve mimarisi özel karakterini oluşturmada coğrafi etkenler baskındı. Mısır’a antik dünyadaki en öngörülebilir tarım sistemini sağlayan Nil nehri, sanat ve zanaatın kolayca geliştiği bir yaşam istikrarı sağladı. Aynı şekilde, Mısır’ı dört bir yandan koruyan çöller ve deniz, yaklaşık 2000 yıldır ciddi işgalden koruyarak bu istikrara katkıda bulunmuştur. Genel olarak, yararlı ve değerli malzeme arayışı , dış politikanın yönünü ve ticaret yollarının kurulmasını belirledi ve nihayetinde Mısır maddi kültürünün zenginleşmesine yol açtı.
Hanedanlık Öncesi Dönem
Vadeli hanedan öncesi ortaya çıkan dönemini ifade eder kültürlerin kurulmasından önceki hanedanının Mısır’da. MÖ 6. Binyılda. Mısır olarak adlandırılmayı hak eden özellikler sergileyen medeniyet kalıpları ortaya çıkmaya başladı. Hanedanlık öncesi kültürlerin kabul edilen sıralaması, İngiliz arkeologun kazılarına dayanmaktadır. Sir Flinders Petrie deNaqadah , enAl-Amirah (El-Amra) ve Al-Jizah (El-Giza). Hanedanlık öncesi kültürün bir başka erken aşaması ,El-Badari , Yukarı Mısır’da. Al-Badari, Dayr Tasa ve Al-Mustaqiddah’daki mezarlardan nispeten zengin ve gelişmiş bir sanatsal ve endüstriyel kültürün kanıtı elde edildi. Üstleri kararmış ince kırmızı cilalı bir maldan yapılmış çanak çömlek, halihazırda belirgin Mısır şekillerini göstermektedir. Bakır küçük süslemelerde işlendi ve steatit boncuklar (sabuntaşı) cam izleri gösteriyor. Daha sonra Naqadah 1 ve Naqadah 2 aşamaları, hanedanlık öncesi uygarlık istikrarlı bir şekilde gelişti. Çömlekçilik, tekniğin inceliklerini ve maceralı dekorasyonun gelişimini gösteren ayırt edici bir ürün olmaya devam etti. Badarian mezarlarında zaten bulunan şekiller, Naqdah I’de üstün bir beceriyle üretildi ve beyaz dolgulu çizgilerden oluşan geometrik tasarımlarla ve hatta hayvan tasvirleriyle süslendi. Daha sonra, yeni killer kullanıldı ve koyu kırmızı pigmentte, gemi sahneleri, figürler ve çok çeşitli sembollerle süslenmiş ince devetüyü renkli ürünler kullanıldı.
Sert taşların işlenmesi de hanedanlık öncesi dönemin sonlarında ciddi bir şekilde başladı. İlk başlarda zanaatkarlar, mevcut çanak çömlek formlarına dayalı olarak ince kapların biçimlendirilmesine ve yarı değerli taşlardan oluşan takıların yapımına adanmışlardı.
İki boyutlu sanatın temel teknikleri, çizim ve boyama Yukarı Mısır kaya çizimlerinde ve artık kaybolmuş olan Hierakonpolis’teki boyalı mezarda örneklenmiştir. Hayvanların, teknelerin ve avlanma sahneleri (kaya çizimlerinin ortak konuları) mezarda boyayla daha ince işlendi ve hanedan sanatında bulunanlar, muhtemelen fetihle ilgili ek temalar oldu.
Mısır Heykelleri, Hanedanlık Dönemi
Antik Mısır Sanatı ve Mimarisi Hanedanlık Dönemi Mısır
Kanıtlar, Yukarı ve Aşağı Mısır’ın birleşmesinin, Mısır kültürünün zengin duvar halısı olacak çeşitli iplikleri bir araya getirdiğini ve zamanın dokuma tezgahında karmaşık dokumayı başlattığını gösteriyor. Yeni sanatsal gelişmelerin çoğu şüphesiz Nakade 2. dönemine kadar uzanmaktadır; ancak Abydos ve aqqarah’daki 1. hanedanın büyük mezarlarından elde edilen bol miktarda kanıt, önceki zamanların mütevazı mezarlarında bulunanlardan çok daha ağır basmaktadır. Bu izlenim kesinlikle medeniyetin olağanüstü bir çiçeklenmesinden biridir. Fetih motifi, resimde gösterilen sahnelerde dramatik bir şekilde karakterize edilir. Narmer Palette , muhtemelen hanedanlık öncesi Mısır’ın son hükümdarı olan Narmer’in (daha çok Menes olarak bilinir ) muzaffer hükümdar olarak tasvir edildiği yerdir.
Narmer tasvirleri, Hanedan döneminin Mısır sanatının tipik özelliklerinin çoğunu sergiliyor. İşte Mısır’ın iki boyutlu sanatını birbirinden ayıran konvansiyonlarla tasvir edilen, düşmanına vuran kralın karakteristik görüntüsü. Baş profilde gösterilir, ancak göz dolu; omuzlar önden temsil edilirken gövde dörtte üçü görünümdedir; bacaklar yine profilde. İnsan formunun her bir parçasını en karakteristik bakış açısından sunmak, sanatçının temel niyetiydi ve sadece tek bir perspektiften görebildiğini değil, orada olduğunu bildiklerini göstermek.
Sanatsal konulardaki muhafazakarlık, göreceli bir kültür tutarlılığından beslendi, güçlü bir yazı eğitimi geleneğiyle güçlendirildi ve bir kanon tarafından yumuşatıldı. İnsan figürünün temsili için oran, Eski Krallık’ta dekorasyon için hazırlanan duvarlar kırmızı yatay çizgilerle işaretlenmişti; daha sonraki zamanlarda dikey çizgiler eklendi. Hanedan döneminin büyük bölümünde, ayakta duran bir adam figürünü tutmak için 18 sıra kareden oluşan bir ızgara kullanıldı; 26 hanedandan, 21 sıra kare aynı amaç için kullanıldı. Farklı dönemlerde, belirli vücut özelliklerinin yerleştirilmesindeki farklılıklar ilginç ve ince nüanslar üretti. Antik Mısır sanatı ve mimarisi.
Mimari
Eski Mısır’da kullanılan iki ana yapı malzemesi pişmemiş kerpiç ve taştı. Eski Krallık’tan itibaren taş genellikle mezarlarda ölülerin ebedi konutlarında ve tapınaklarda tanrıların ebedi evleri için kullanılmıştır. Çamur tuğlası, kraliyet sarayları için bile kullanılan yerli malzeme olarak kaldı; aynı zamanda kaleler, tapınak bölgelerinin ve kasabalarının büyük duvarları ve tapınak komplekslerindeki yardımcı binalar için de kullanılıyordu.
Mezar mimarisi
Mısır’daki morg mimarisi oldukça gelişmiştir ve genellikle görkemliydi. Themezar, bir cesedin saygısızlıktan korunabileceği ve ölümden sonra varlığını sürdürmesini sağlamak için maddi nesnelerin sağlanabileceği bir yerdi. Mezarın bir kısmı, bireyin dünyevi varoluşuna uygun ve benzer bir ölümden sonra yaşamı sihirli bir şekilde takip etmesini sağlayacak sahnelerle süslenmiş olabilir. Bir kral için beklentiler oldukça farklıydı; onun için mezar, göksel bir ahirette tanrılarla birlikte özel kaderine ulaşabileceği bir araç haline geldi.
Geç Dönem Yeni Krallık
İşçiliğin mükemmelliği, Orta Krallık’ın en iyi geleneklerinin yeniden canlanmasında 18.hanedan heykelinin alamet-i farikasıdır. İnanılmaz derecede hassas heykeller Hatshepsut ve Thutmose, büyük işlerin başarıldığını doğruladı.
tarafından Arthipo | 13 Eylül 2021 | Sanat Tarihi
Mağara Sanatı, Karanlık Çağlarda İlkel Toplumlarda Tarih Öncesi Sanat, Mağara Resimleri
Mağara sanatı, genel olarak, yaklaşık 40.000 ila 14.000 yıl önce, Buz Devri’ne (Üst Paleolitik ) ait mağaralarda ve barınaklarda bulunan çok sayıda resim ve gravürden oluşur. Paleolitik olduğu kabul edilen, yani Taş Devri’nden gelen ilk boyalı mağara, İspanya’daki Altamira idi. Orada keşfedilen sanat, uzmanlar tarafından modern insanların (Homo sapiens) eseri olarak kabul edildi. Mağara sanatının çoğu örneği Fransa’da ve İspanya’da bulunmuştur, ancak birkaçı Portekiz, İngiltere, İtalya, Romanya, Almanya, Rusya ve Endonezya’da da bilinmektedir.
Bilinen dekore edilmiş mağaraların toplam sayısı yaklaşık 400’dür. Çoğu mağara sanatı, kırmızı veya siyah pigmentle yapılmış resimlerden oluşur. Kırmızılar demir oksitlerle (hematit) yapılırken, siyahlar için manganez dioksit ve odun kömürü kullanıldı. Her ikisi de Fransız Pireneleri’nde bulunan 1912’de Tucd Audoubert mağarasındaki bizon kil heykelleri ve 1923’te Montespan mağarasındaki bir ayı heykeli gibi heykeller de keşfedildi. Barınaklarda oymalı duvarlar keşfedildi. Vienne’de Roc-aux-Sorciers (1950) ve Dordogne’de Cap Blanc (1909). Diğer birçok mağara ve sığınakta yumuşak duvarlara parmaklarla veya sert yüzeylere çakmaktaşı aletlerle gravürler yapılmıştır. Mağaralardaki resimli veya başka şekillerde temsiller az sayıda insanı içerir, ancak bazen insan kafaları veya cinsel organlar tek başına görünür. El kalıpları ve el izleri, Fransız Pireneleri’ndeki Gargas mağarasında olduğu gibi daha önceki dönemlerin karakteristik özelliğidir. Hayvan figürleri her dönem mağaralardaki görüntülerin çoğunu oluşturur.
Mağara sanatının ilk yapıldığı bin yıl boyunca, Fransa’daki Chauvet-Pontdarc mağarasında olduğu gibi en sık temsil edilen türler, şu anda soyu tükenmiş olan en zorlu türlerdi; mağara aslanları, mamutlar, yünlü gergedanlar, mağara ayıları. Daha sonra atlar, bizonlar, yaban öküzü, Lascaux ve Niaux mağaralarında olduğu gibi servidler ve dağ keçisi yaygınlaştı. Kuşlar ve balıklar nadiren tasvir edildi. Geometrik işaretler her zaman çoktur, ancak belirli türler mağaranın boyandığı zaman dilimine ve mağaranın konumuna göre değişir.
Mağara Resimleri Anlamları, Niçin Yapılıyordu
Mağara sanatının genellikle sembolik veya dini bir işlevi olduğu, bazen her ikisinin de olduğu kabul edilir. Görüntülerin tam anlamı bilinmemektedir, ancak bazı uzmanlar bunların şamanik inançlar ve uygulamalar çerçevesinde yaratılmış olabileceklerini düşünmektedir. Böyle bir uygulama, bir şamanın bir trans durumuna girip ruhunu ruhlarla temas kurmak ve onların iyiliklerini elde etmek için diğer dünyaya gönderdiği bir tören için derin bir mağaraya girmeyi içeriyordu. Derin mağaralardaki (yani tamamen karanlıkta var olan) resim ve gravür örnekleri Avrupa dışında nadirdir, ancak Amerika’da (örneğin Meksika’daki Maya mağaraları, Birleşik Devletler’in güneydoğusundaki sözde çamur-glif mağaraları) mevcuttur. Eyaletler), Avustralya’da (Koonalda Mağarası, Güney Avustralya) ve Asya’da (birçok el şablonuyla Borneo, Endonezya’daki Kalimantan mağaraları). Açıkta, barınaklarda veya kayalarda sanat tüm dünyada son derece bol miktarda bulunur ve genellikle çok daha sonraki zamanlara aittir. Mağara sanatı, ilkel toplumlarda sanat, mağara resimleri niçin yapılıyordu? Varoluş sorunun bir parçası mıydı?
Mağara sanatları için bazı teoriler öne sürülmektedir; Henri Breuil , resimleri avın bolluğunu artırmak için av büyüsü olarak yorumladı. David Lewis-Williams tarafından geliştirilen ve geniş ölçüde çağdaş avcı-toplayıcı toplumların etnografik araştırmalarına dayanan bir başka teori, resimlerin paleolitik şamanlar tarafından yapıldığıydı . Şaman, mağaraların karanlığına çekilir, trans haline girer, sonra belki de mağara duvarlarından güç çekme nosyonuyla, vizyonlarının resimlerini çizerdi. Hem sanatsal hem de düşük kaliteli sanat ve figürinler üzerinde çalışan R. Dale Guthrie, sanatçılar arasında geniş bir beceri ve yaş aralığını tanımlıyor. Resimlerdeki ve diğer eserlerdeki ana temaların (güçlü canavarlar, riskli av sahneleri ve Venüs heykelciklerinde kadınların temsili ) o dönemde insan nüfusunun büyük bir bölümünü oluşturan ergen erkeklerin işi olduğunu varsayar . Ancak, Pennsylvania Eyalet Üniversitesi’nden Dean Snow, Fransız ve İspanyol mağaralarındaki el izleri ve şablonların analizinde, Pech Merle’deki benekli atların etrafındakiler de dahil olmak üzere, bunların bir kısmının kadın ellerine ait olduğunu öne sürdü.
Prehistorik (Tarih Öncesi) Mağara Resimleri
Prehistorik dönemde yapılan önemli mağara resimleri aşağıda verilmiştir.
Magura Mağarası
Ülkenin kuzeybatı kesiminde bulunan Bulgaristan’ın en büyük mağaralarından biridir. Mağara duvarları, yaklaşık 8000 ila 4000 yıl öncesine dayanan tarih öncesi mağara resimleri ile dekore edilmiştir. Mağara duvarlarında 700’den fazla çizim keşfedildi. Yarasa gübresi (yarasa dışkısı) ile boyanmışlardır ve avlanan ve dans eden insanları ve çok çeşitli hayvanları temsil ederler.
Magura Mağarası, Mağara Sanatı, Karanlık Çağlarda İlkel Toplumlarda Sanat, Mağara Resimleri
Cueva de las Manos
Güney Arjantin’in Patagonya bölgesinde izole bir bölgede bulunan bir mağaradır. Adını (Ellerin Mağarası) insan ellerinin şablonlu ana hatlarından alır, ancak av sahnelerinin yanı sıra guanacos, rheas ve diğer hayvanların birçok tasviri de vardır. Ellerin çoğu sol ellerdir, bu da ressamların sağ elleriyle bir püskürtme borusu tuttuklarını gösterir. Resimlerin 13.000 ila 9.500 yıl önce yaratıldığı düşünülüyor.
Bhimbetka Mağarası
Hindistan’ın merkezinde bulunan Bhimbetka, tarih öncesi mağara resimleriyle süslenmiş 600’den fazla kaya sığınağı içerir. Arada bir yeşil ve sarının kullanılmasıyla ağırlıklı olarak kırmızı-beyaz olarak yürütülen tablolar, genellikle mağaralarda yaşayan insanların hayatlarını ve zamanlarını tasvir ediyor. Bizonlar, kaplanlar, aslanlar ve timsahlar gibi hayvanlar da bazı mağaralarda bolca tasvir edilmiştir. En eski tabloların 12.000 yıllık olduğu kabul ediliyor.
Serra da Capivara
Brezilya’nın kuzeydoğusundaki Serra da Capivara Ulusal Parkı, mağara resimleri ile süslenmiş çok sayıda kaya sığınağına ev sahipliği yapmaktadır. Resimlerde ritüel ve avcılık sahneleri, ağaçlar ve hayvanlar kapivaralar yer alıyor. Bazı bilim adamları, parktaki en eski mağara resimlerinin 25.000 yıl önce yapıldığına inanıyor. Bu, birkaç genetikçi tarafından tartışılmaktadır, ancak bu, Amerika’da şu anda kabul edilen insan yerleşiminin tarihiyle çelişecekti
Mağara Sanatı
Laas Gaal Mağarası
Kuzeybatı Somali’de, Afrika Boynuzu ve genel olarak Afrika kıtasındaki bilinen en eski kaya sanatlarından bazılarını içeren bir mağara ve kaya sığınağı kompleksidir. Tarih öncesi mağara resimlerinin 11.000 ila 5.000 yıl arasında olduğu tahmin ediliyor. İnsanların, evcilleştirilmiş köpeklerin ve hatta bir zürafanın eşlik ettiği tören cüppeli inekleri gösterirler. Mağara resimleri mükemmel bir şekilde korunmuş ve net ana hatlarını ve güçlü renklerini korumuştur.
Las Gaal Tarih Öncesi Prehistorik Mağara Resimleri
Tadrart Acacus Mağarası
Batı Libya’nın Sahra çölünde bir sıradağ oluşturur. Bölge, MÖ 12.000’den MS 100’e kadar uzanan kaya resimleriyle tanınır. Resimler, daha nemli bir iklime sahip olan Sahra Çölü’nün değişen ortamını yansıtıyor. Dokuz bin yıl önce çevre, göller ve ormanlarla ve Tadrart Aracus’taki zürafalar, filler ve devekuşları gibi hayvanların kaya resimlerinde gösterildiği gibi büyük vahşi hayvan sürüleri ile yeşildi.
Tadrart-Acacus Mağara Sanatı, Karanlık Çağlarda İlkel Toplumlarda Sanat, Mağara Resimleri
Chauvet Mağarası
Dünyadaki bilinen en eski tarih öncesi mağara resimlerinden bazılarını içermektedir. Mağaradaki en eski tabloların tarihleme radyo karbonuna göre 32.000 yaşına kadar çıkmış olabilir. Mağara, 1994 yılında Jean-Marie Chauvet ve mağaracılık uzmanlarından oluşan ekibi tarafından keşfedildi. Bu resimler dağ keçisi, mamut, atlar, aslanlar, ayılar, gergedanlar ve aslanlar gibi hayvanların resimlerini içerir. Perspektif kullanımı gibi gelişmiş teknikler, aynı düzlemdeki birkaç hayvanı gösteren ‘atlar panelinde’ açıkça gösterilmiştir.
Kakadu Kaya Resimleri
Avustralya’daki Aborjin sanat sitelerinin en büyük konsantrasyonlarından birini içerir. Kakadu’da yamaç boyunca ve kayalıklar üzerinde yaklaşık 5000 sanat alanı keşfedildi. Aborjin resminin 20.000 yıldan günümüze kadar değiştiği tahmin ediliyor, ancak resimlerin çoğu 1500 yıldan daha az. Ubirr’deki site, dünyadaki en güzel “X-ışını sanatı” örneklerinden bazılarına sahiptir. Aborijinler sadece dışını değil, hayvanların kemiklerini ve iç organlarını da boyadılar.
Kakadu Kaya Resimleri
Altamira Mağarası
19. yüzyılın sonlarında keşfedilen Kuzey İspanya’daki Altamira Mağarası, tarih öncesi resimlerin keşfedildiği ilk mağaraydı. Resimler o kadar şaşırtıcı bir kaliteye sahipti ki, bilim topluluğu gerçekliklerinden şüphe etti ve hatta keşfeden Marcelino Sanz de Sautuola’yı sahtecilikle suçladı. Pek çok insan, tarih öncesi insanın herhangi bir tür sanatsal ifade üretebilecek entelektüel kapasiteye sahip olduğuna inanmıyordu. Resimlerin orijinal olarak kabul edildiği 1902 yılına kadar değildi. Altamira Mağarası’ndaki at, bizon ve el izlerinin karakalem ve toprak boyası resimleri dünyanın en iyi korunmuş mağara resimleri arasında yer alıyor.
Lascaux Mağaraları
“Tarih öncesi Sistine Şapeli” olarak adlandırılır. Güneybatı Fransa’da, dünyanın en etkileyici ve ünlü mağara resimlerinden bazılarıyla dekore edilmiş bir mağara kompleksidir. Lascaux resimlerinde 17.000 yaşında olduğu tahmin edilmektedir. Mağara resimlerinin çoğu girişten oldukça uzaktadır ve mumların yardımıyla yapılmış olmalı. En ünlü mağara resmi boğaların, atların ve geyiklerin tasvir edildiği Büyük Boğalar Salonu’dur. Boğalardan biri 5,2 metre uzunluğunda olup, şimdiye kadar herhangi bir mağarada keşfedilen en büyük hayvan.
Mağara sanatı, karanlık çağlarda İlkel toplumlarda sanat, mağara resimleri konusu bu makalede işlenmiştir.
