Amerikan Sanat Tarihi

Amerikan Sanat Tarihi

Amerikan sanat tarihi makalesinin temel konusu Amerika Birleşik Devletleri’nde sanat gelişimi incelemektir. Konu kıta Amerika’sı genelini kapsamaz.

Amerikan Yerlileri Sanatı

Karmaşık geometrik desenler kullanan ve hem doğal dünyayı çağrıştıran hem de atalara ait ve mitolojik hikayeleri sembolize eden neredeyse soyut biçimler kullanan oldukça stilize edilmiş bir kelime dağarcığı geliştiren birçok yerli kabile arasında zengin, karmaşık sanat gelenekleri gelişti. Nesneler genellikle faydacıydı ve aynı zamanda ritüel önemle doluydu. Bununla birlikte, ilk Kızılderili sanat hareketi, kabilelerinin inançlarını, tarihini, modasını ve yaşam tarzını gerçekçi bir şekilde tasvir etmek için çizim, resim ve baskı resim kullanan 25’ten fazla Iroquois sanatçısını içeriyordu. 1900’lerin başında, Kızılderili sanatı ulusal ve uluslararası ilgi görmeye başladı. Kiowa Six, Spencer Asah, James Auchiah, Jack Hokeah, Stephen Mopope, Lois Smoky ve Monroe Tsatoke, güçlü ana hatları çizilmiş, koyu renkli düz alanlar kullanan Ledger çizimler kullandı.

Amerikan Sanat Tarihi Halk sanatı

Amerikan halk sanatının çoğu doğası gereği faydacıdır; duvar süsleri için çerçeveli nakışlar ve kadife resimlere kadar çeşitli eserler ve boyamalar yapılmıştır. Erken Amerikan halk ressamlarına, “açık, keskin ayrıntılarla ana hatları çizmek” anlamına gelen kireçlenme teriminden, ‘’Sınırlayıcılar’’ deniyordu. Genellikle kendi kendini yetiştiren denizciler kasabadan şehre seyahat eder ve yerel tüccarlar için tabelalardan çiftlik aletlerine ve arabalara kadar her şeyi boyamayı teklif ederek geçimini sağlardı. Koloniler, portreyi sosyal duruşun bir işareti olarak gören İngiliz kültürel değerlerini yansıtırken, 1705 civarında Güney Carolina, Charleston’a göç eden Fransız doğumlu Henrietta Johnston gibi güzel sanatlar portrecileri şehirlere çekildi.

Amerikan Mimarisi

Amerika Birleşik Devletleri’nin üçüncü başkanı Thomas Jefferson yenilikçi bir mimardı ve Virginia’daki evi Monticello (1772-1809) için yaptığı tasarım, dört renkli sütunlu bir Palladyan portiko kullanarak Neoklasik tarzı örnekledi. Benjamin Henry Latrobe’un resmi binalar için tercih edilen Federal tarz olarak bilinen şeyi başlattı.

Neoklasizm bağlamında 1830 civarında gelişen Beaux-Arts mimarisi, Neoklasizmin resmiyetini Rönesans, Barok ve Geç Gotik mimarisinden unsurları dahil etmek için reddetti. Amerika Birleşik Devletleri’nde, Richard Morris Hunt tarafından yönetilen Beaux-Arts tarzı, “Amerikan Rönesansı” veya “Amerikan Klasisizmi” olarak tanındı. 1890’da başlayan ve İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketinden ve Japonizm’den etkilenen son derece etkili Art Nouveau hareketi, organik, akıcı, bitkisel motifler içeriyordu.

Hudson River Okulu (1826-1870)

Hudson Nehri Okulu öncülüğünde, Thomas Cole İngiltere’de doğdu ama on yedi yaşındayken Amerika Birleşik Devletleri’ne göç etti, ilk tanınan Amerikan sanat hareketiydi. O zamanlar vahşi olan yukarı New York eyaletinde merkezlenen hareketle ilişkili sanatçılar, Amerikan manzarasının yüce ve eşsiz güzelliğini vurguladılar. Romantizmin yüce kavramından ve Naturalizm’in hassas gözlemlenen ayrıntılara vurgusundan etkilenen Cole’un Kaaterskill Upper Fall, Catskill Dağları (1825) ve Ölü Ağaçlarla Dunlap Gölü (Catskill) (1825) gibi manzaraları, yeninin sınırsız olasılıklarını uyandırmak için Amerikan sahnelerini tasvir etti. Amerikan Sanat Tarihi.

Aydınlık (1850-1875)

Luminism (aydınlık) terimi, 1950’lerde sanat tarihçileri tarafından 1850-1870 yılları arasında bir dizi Amerikan manzara ressamı arasında gelişen bir stili tanımlamak için geliştirildi. Harekete liderlik eden John Frederick Kensett, insan varlığından ziyade, manzaranın kendisini vurguladı.

Tonalizm (1870-1915)

Tonalizm, 1870’lerin başında James McNeill Whistler’ın alacakaranlıkta manzaraları tasvir etmek için genellikle sessiz yeşiller, maviler ve koyu renklerdeki ton uyumlarını vurgulayan Nocturnes serisinde ortaya çıktı. Dönemin sanatçısı Inness gün doğumunda veya günbatımında bir manzarayı tasvir etmek için altın ve kahverengi tonları kullanarak, Sunrise (1887) gibi eserlerinde manevi ifadeyi vurgularken, dönemin başka bir sanatçısı Ryder ise sık ​​sık Sembolizmin öncüleri olan gizemli manzaralarına mitolojik bir anlatı unsuru dahil etti.

Amerikan İzlenimcilik (1880-1920)

Amerikan Empresyonizm’i öncelikle ilham veren etkileyen Fransız izlenimcilerdir. Mary Cassatt, Amerika’nın ilk tanınmış Empresyonisti oldu. 1866’da Paris’e taşındığında, Edgar Degas ile yakın arkadaş oldu.ve önde gelen Empresyonistlerin birçoğu ile ilişkilendirildi ve sergilendi. Canlı renklerle ve etkileyici fırça darbeleriyle dolu çalışmaları, genellikle rahat burjuva ortamlarında samimi toplantıların yanı sıra bir anne ve çocuğun birçok tasvirini tasvir etti ve Amerika Birleşik Devletleri’nde son derece popülerdi.

Ashcan Okulu (1900-1915)

Ashcan Okulu, o zamanlar Philadelphia’da bulunan Robert Henri’nin tüm öğrencileri olan John Sloan, George Luks, Everett Shinn ve William James Glackens gibi bir grup sanatçıydı. Diego Velazquez, Francisco de Goya ve Édouard Manet gibi daha sonraki Realistler de dahil olmak üzere eski ustalardan yararlanan grup, modern, işçi sınıfı yaşamının gerçekçi ve cesur sahnelerini veya Henri’nin “hayat için sanat” dediği şeyi yaratmak için klasik yöntemler kullandı.

Senkromizm (1912-1924)

Senkromizm, görsel bir “senfoni” veya müzikal etki yaratmak için öncelikle renk ölçeğini kullanan soyut resimleri vurguladı. Her ikisi de Paris’te yaşayan genç Amerikalı Morgan Russell ve Stanton Macdonald-Wright , 1912’de Amerika’nın ilk avangart hareketini kurdular.

Harlem Rönesansı (1920- 1940)

Terimi Harlem Rönesansı müzik, edebiyat, tiyatro, resim ve heykel New York’un Harlem mahallesinde zengin ve canlı kültürü içinde geliştiği zamanı tanımlar. Farklı tarzlarla tanınan hareket, yazar Alain Locke tarafından geliştirildi.

Ondördüncü Sokak Okulu (1920-1940)

1950’lerde, 1920’lerde ve 1930’larda Kenneth Hayes Miller, Isabel Bishop ve Reginald Marsh’ın eserlerini tanımlamak için On Dördüncü Sokak Okulu terimi geliştirildi. Konuları, Union Meydanı ve On Dördüncü Cadde civarındaki New York mahallesinden alındı. “Fakir adamın 5. Bulvarı” olarak bilinen bölge, en son modayı ucuz fiyatlarla sunan satışları binlerce orta sınıf müşteriyi çeken perakende mağazalarının yer aldığı yükselen bir ticaret merkeziydi. Modern yaşamın gerçekçi bir şekilde ele alınması nedeniyle, hareket genellikle Sosyal Gerçekçilik kapsamına alındı.

Amerikan Bölgeselcilik (1928-1943)

Amerikan Bölgeselcilik, kasıtlı olarak oluşturulmuş bir hareket değil, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry ve Grant Wood’un eserlerinde organik olarak gelişen bir tarz ve yaklaşımdı. Bu üç sanatçı, kırsal yaşamın ve sıradan durumların gerçekçi tasvirlerini vurguladı ve her biri belirli bir bölgeyle ilişkilendirildi.

Amerikan Sanat Tarihi Sosyal Gerçekçilik (1929- 1960)

Toplumsal Gerçekçilik, toplumu radikal bir şekilde dönüştürmek için, genellikle kentsel bir ortamda, alt sınıfın ve işçi sınıfının gerçekçi tasvirlerini vurgulayan sanatçılar arasında kendiliğinden gelişti. İşçilerin kötü durumuna odaklanan hareketle bağlantılı sanatçılar, Jose Clemente Orozco’nun duvar resimlerinden, işçi hakları örgütlerinin yükselişinden ve John Reed Society gibi solcu örgütlerin işçi haklarına çağrısından etkilendiler.

Soyut Dışavurumculuk, Renk Alanı Resmi, Ressam Sonrası ve Sert Kenarlı Soyutlama (1943-1965)

Soyut Dışavurumculuk 1940’ların başında New York’ta başladı ve Jackson Pollock, Clyfford Still, Willem de Kooning, Mark Rothko ve Adolph Gottlieb tarafından yönetildi. Önde gelen Sürrealistler II.Dünya Savaşı sırasında New York için Avrupa’dan kaçarken, Soyut Ekspresyonistler, Gerçeküstücülüğün bilinçdışına dokunan bir sanat olan otomatizme vurgusundan etkilenmişlerdi. Sanatçılar kariyerlerine temsili imgeleri boyamaya başlarken, soyutlamayı artırmaya doğru ilerledi.

1952’de, etkili sanat eleştirmeni Harold Rosenberg “The American Action Painters” adlı makalesinde, sanatçının resim yapmaya karar verme konusundaki eylemine odaklandı ve böylece Eylem Resmi terimini Soyut Dışavurumculuk lehine icat etti. Rosenberg, çalışmalarını resmin kendisinin olayını ve sürecini vurguladığı için Franz Kline, Willem de Kooning ve Jackson Pollock’u bu terimle ilişkilendirildi.

1950 civarında San Francisco Körfez Bölgesi’nde David Park , Richard Diebenkorn ve Elmer Bischoff figüratif konular lehine saf soyutlamayı reddettiler. Körfez Bölgesi Ressamları arasında Manuel Neri, Nathan Oliveira ve Joan Brown da vardı.

Ayrıca 1950’lerin ortalarında Jack Beal, Jane Freilicher ve Nell Blaine dahil olmak üzere bir dizi ikinci nesil Soyut Dışavurumcu hareketi reddetti ve figüratif sanata yöneldi. Fairfield Porter, Alex Katz ve Lois Dodd dahil olmak üzere, New York sanatçılarının gevşek birliği, Çağdaş Gerçekçilik olarak bilinen gerçekçiliğe yeni bir vurgu yaptı.

Neo-Dada (1952-1970)

1952’den başlayarak, Jasper Johns, Allan Kaprow ve Robert Rauschenberg ” readymades “, kitle iletişim araçları ve performanslar kullanmaya başladıkça Neo-Dada gelişti. Sanatçılar, Soyut Dışavurumculuk ile bağlantılı varoluşçu kahramanları sıradan konular lehine reddettiler ve medya arasındaki geleneksel sınırları bulanıklaştırdılar.

Allan Kaprow, yerleştirme parçaları oluşturmak için heykelsi kolajlar kullanarak “ortamlar” yarattı ve daha sonra Cage’in dersini aldıktan sonra işitsel bileşenler ekledi. “Olaylar” terimini, Fütürizmin olay kavramının tüm sınırları aşması ve Dada’nın şansın rolüne yaptığı vurgunun etkisiyle olay ve seyirci arasındaki sınırın kırıldığı yarı teatral olayları tanımlamak için geliştirdi.

George Brecht, Robert Whitman ve Robert Watts da dahil olmak üzere birçok Fluxus sanatçısı Neo-Dada ve olaylarla ilgileniyordu. “Sanat karşıtı” bir hareket olarak tanımlanan Fluxus, kişinin sanatla olan ilişkisini değiştirmek ve gündelik nesnelerin ve eylemlerin ustalığını vurgulamak gibi ütopik hedeflere sahipti. Amerikan Sanat Tarihi Dick Higgins, Jackson Mac Low ve Al Hans grubunun önde gelen üyeleri, New School’da Cage’in 1959’daki sınıfında bir araya geldi. Fluxus sanatçıları, yüksek sanatın altını çizmek ve reddetmek için sıklıkla mizah kullandılar. Fluxus, Yoko Ono , Nam June Paik ve Joseph Beuys’u da içeren uluslararası bir hareketti.

Pop Art ve Fotogerçekçilik (1950-1970)

Pop Art, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi ve mimarlar Alison ve Peter Smithson’un da dahil olduğu Independent Group’un önderliğinde 1952’de İngiltere’de başlayan uluslararası bir hareketti, ancak Amerikan versiyonu trend belirleyen ve baskın biçim haline geldi. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg ve James Rosenquist liderliğindeki sanatçılar, “yüksek” ve “düşük” sanat arasındaki ayrıma meydan okumak ve tüketici kültürünü eleştirmek ve kutlamak için kitle iletişim araçlarından ve popüler kültürden alınan görüntüleri kullandılar. Warhol, Rosenquist ve Ed Ruscha grafik tasarımcı ve illüstratör olarak yaptıkları ilk çalışmalardan etkilenmiştir.

Minimalizm ve Post-Minimalizm (1960 ‘dan- Günümüze)

1960’ların başında New York’ta Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt ve Robert Morris gibi minimalist sanatçılar, havalı ve anonim bir yaklaşım kullanarak endüstriyel malzemelerden eserler yarattılar. Rus Konstrüktivizminden etkilenen Minimalistler, izleyici tarafından algılanan ve tercih edilen endüstriyel malzemeler ve fabrikasyon tarafından algılanan medyanın önemliliğini vurguladılar.

Post-Minimalizm, Süreç Sanatı , Performans ve Vücut Sanatı, Alana Özgü Sanat ve Kavramsal Sanatın bazı yönleri dahil olmak üzere bir dizi eğilimi içeriyordu . Sanat eleştirmeni Lucy Lippard, 1968’de Louise Bourgeois , Eva Hesse ve Bruce Nauman’ın çalışmalarını içeren bir sergi olan Eksantrik Soyutlama’nın küratörlüğünü yaptı. Minimalizm ile ilişkili bazı sanatçılar, anonim ve soyut nesnelere Minimalist ilgiyi diğer alanlara doğru genişletirken, diğerleri Minimalizmin soğuk anonim yaklaşımına duygusal ifade lehine tepki gösterdi. Lynda Benglis, Eva Hesse ve Louise Bourgeois reçineler ve lateks kullanırken, Nancy Graves hayvan derilerini simüle etmek için malzemeler kullandı ve sonuçta ortaya çıkan çalışmalar organik bir ifade etkisi yarattı. Sol LeWitt , Richard Serra ve Vito Acconci de Post-Minimalistler arasında yer aldı.

Kaliforniya merkezli ve Minimalizmden etkilenen Robert Irwin, 1969’da ışık kaynaklarını kullanarak büyük enstalasyonlar oluşturmaya başladı ve Işık ve Uzay hareketi olarak bilinen şeyin öncülüğünü yaptı. Larry Bell, James Turrell, John McCracken ve Helen Pashgian, algısal deneyimler yaratmak için neon ve argon ışıkları, dökme akrilik ve polyester reçineler dahil endüstriyel malzemeleri kullanan hareketle ilişkilendirildi. Yeni bilimsel araştırma ve teknolojilerden yararlanarak, ışık ve mekanın etkileşimini vurgulayan eserler yarattılar.

Amerikan Sanat Tarihi, Dünya Sanatı ve Çevre Sanatı (1960’lardan – Günümüze)

Land Art (dünya sanatı) veya Earthworks olarak da adlandırılan Earth Art, Minimalizmin bir sonucuydu, çünkü dünyanın kendisi hem maddi nesne hem de sanata özgü alan haline geldi ve sanatçılar sitenin çamur, toprak ve taş gibi mevcut doğal malzemelerini kullanarak Sitenin önemine uygun büyük ölçekli projeler tasarladı. Nancy Holt, Richard Long , Agnes Denes ve Andy Goldsworthy, Earth Work sanatçılarının önde gelenleriydi.

Hareket, ekolojik sanat olarak da bilinen Çevre Sanatının gelişimini etkiledi. Müdahaleci olmayan bir yaklaşımı vurgulayan Çevre sanatçıları, kendilerini çevre ile iş birliği içinde ve doğal ortamlarla insan etkileşimini keşfederken gördüler.

Postmodernizmin; Kavramsal, Feminist, Performans Sanatı (1960’lardan – Günümüze)

1960’larda, Kavramsal Sanat, Feminist Sanat, Vücut Sanatı ve Performans Sanatının gelişmesine yol açan şiddetli bir deney atmosferi hüküm sürdü. Bu sanat hareketleri uluslararası olsa da Amerikalı sanatçıların gelişimlerinde ve daha sonra bir dizi eğilime yönelmelerinde önemli bir rol oynadılar.

Minimalizmin indirgemeci sadeliğinden etkilenen Kavramsal sanat, bir iş kavramının biçiminden ve hatta tamamlanmasından daha önemli olduğunu vurguladı. Walter de Maria, Ed Ruscha, Marina Abramovic, Dan Graham ve Alman sanatçı Joseph Beuys hareketin bir parçası olan önde gelen sanatçılardan sadece birkaçıdır.

Feminist Sanat, Sivil Haklar hareketi, ortaya çıkan Gay Pride hareketi ve savaş karşıtı coşku dışında 1960’ların sonlarında, Sanat İşçileri Koalisyonu ve Devrimde Kadın Sanatçılar gibi kadın sanat kuruluşları, toplumsal cinsiyet eşitsizliğini ve sanat camiasındaki diğer feminist sorunları ele almak için kuruldu. Judy Chicago ve Miriam Schapiro, California Sanat Enstitüsü’nün Feminist Sanat Projesi’ni ve kadın sanatçıların iş birliği yapabileceği ve büyük enstalasyonlar oluşturabileceği bir proje olan Womanhouse’u kurdu. Mary Beth Edelson, Lynda Benglis , Martha Rosler , Carolee Schneemann , Suzanne Lacy ,Leslie Labowitz , Bia Lowe, Barbara Kruger önde gelen feminist sanatçılardı. Judy Chicago, hem Feminist Sanat hem de Enstalasyon Sanatının ikonik bir örneği olan Akşam Yemeği Partisi (1974-79) ile ünlü olurken, Carolee Schneemann’ın performansları Feminist, Beden Sanatı ve Performans hareketlerine öncülük ediyordu.

1960’larda Performans sanatı, sanatçının, bazen işbirlikçileriyle veya icracılarla, sanatçı ile sanat eseri arasındaki tüm sınırları sildiği canlı olayları vurguladı. Uluslararası hareket, Dada, Fütürizm ve Sürrealizm de dahil olmak üzere bir dizi erken avangart eğilime dayanıyordu. Performans sanatçıları, bazen “eylemler” olarak adlandırılan şeyleri sahneleyerek genellikle izleyiciyle yüzleşti.

Amerikan Sanat Tarihi konusu detaylı olarak makalede anlatılmıştır.