Japon Sanat Tarihi

Japon Sanat Tarihi

MÖ 10. yüzyıla kadar uzanan Japon sanat tarihi, adaya yerleşen ilk halklar, farklı sanatlar ürettiler. Japon sanatı, yüzyıllar boyunca savaştan büyük ölçüde etkilenmiştir; işgalciler yeni sanatsal teknikler ve stiller tanıttı. Tarihsel olarak, Japonlar da Çinlilerden büyük ölçüde ödünç almışlardır. Ancak Japon sanatı geliştikçe kendi stillerini ve geleneklerini de geliştirdi. Japon sanatı, resim, origami, tahta blok baskılar, edebiyat, seramik, heykel, kaligrafi, mimari ve manga gibi ortamlar ve türlerle geniş bir yelpazeyi kapsar.

Tarihsel olarak Japonya, yeni ve yabancı fikirlerin ani istilalarına maruz kalmıştır (coğrafi ve kültürel özellikleriyle ilgili olarak, ülke neredeyse her zaman “kendi başına bir dünya” olmuştur) ve ardından dışarıyla en aza indirgenmiş uzun süreli temas dönemleri izlemiştir.

Japonya’daki karmaşık sanatın ilk örnekleri, Budizm ile bağlantılı olarak 7. ve 8. Yüzyıllarda üretildi. Dokuzuncu yüzyılda, Japonlar Çin’in kültürel etkisinden kurtulmaya ve yerel ifade biçimleri geliştirmeye başladığında, seküler sanatlar giderek daha önemli hale geldi. On beşinci yüzyılın sonuna kadar hem dini hem de seküler sanat gelişti. Onin Savaşı’ndan (1467 – 1477) sonra Japonya, bir asırdan fazla süren sosyal ve ekonomik bir siyasi dağılma dönemine girdi. Tokugawa şogunluğunun önderliğinde ortaya çıkan devlet teşkilatında, din faktörü, insanların yaşamlarında çok daha az önemli bir rol oynamaya başladı.

Ayrıntılı ve stilize edilmiş mimari biçimleri Japon sanatının temel taşlarından biri olsa da resim Japonlar için MS 1000 yılı civarında Heian döneminin sonlarından beri de önemliydi Sanatçılar, Genji Masalı gibi hikayeleri yansıtmak için el parşömenleri ve paneller boyadılar. Yönetici gruplar değiştikçe boyama stilleri de sıklıkla değişti. Çinliler gibi, birçok Japon resmi de tasarımın bir parçası olarak hat sanatını yansıtıyor. Manzaralar, portreler ve yaşam sahneleri Japon resmiyle ilişkilendirilen geleneksel konulardır.

Edo, Ukiyo-e, Keyif Çeyrekleri, Japon Sanat Tarihi

Japon tarihinin çeşitli dönemleri, belirli sanat tarzları ve Japon sanatının ve estetiğinin gelişimine katkılarıyla ünlü olsa da Edo dönemi özellikle Ukiyo-e ahşap blok baskıları ve Kyoto’nun Keyif Çeyrekleri sanatı ile ünlüdür. “yüzen dünyanın” nezaketçileri. Bu eserlerin çoğu, Japonya’nın yanı sıra dünyanın en iyi müzelerinde sergileniyor.

Amatör ve profesyonelce yapılan resim, Japonya’da tercih edilen sanatsal anlatımdır. Eski zamanlarda olduğu gibi bugün bile Japonlar kalem yerine fırçayla yazdılar ve fırça tekniklerinin kullanımına olan aşinalıkları onları resmin estetik değerlerine özellikle duyarlı hale getirdi. Edo döneminde popüler kültürün yükselişiyle, ukiyo-e tahta baskılar tarzı önemli bir sanat formu haline geldi ve teknikleri, günlük haberlerden okul kitaplarının konularına kadar hemen hemen her konunun renkli baskılarını üretmek için geliştirildi. Japonlar her zaman heykelin sanatsal ifadenin çok daha az empatik bir aracı olduğunu düşünmüşlerdir: Japonya’da heykel kullanımı neredeyse her zaman dinin ayrıcalığı olmuştur ve geleneksel Budizm’in azalan önemi ile birlikte kullanımı azalmıştır.

Dünyanın en iyileri arasında yer alan seramikler, Japon kültürünün bilinen ilk eserlerini temsil ediyor. Mimaride Japonlar, atalarının doğal malzemeler ve iç ve dış mekan arasındaki uyumlu etkileşim için tercihlerini her zaman açıkça ifade etmişlerdir.

Japon Sanat Tarihi Şekillendirici Dönem

6. yüz yılın ortalarında Japonya’da Budizm’in gelişi ve beraberinde ikonografi CE Japon görsel anlatım tarihin dikkate dramatik bir bölünme çizgisi olarak hizmet vermektedir. Budizm’in gelişiyle, zaten olgunlaşmış çok sayıda ikonografi ve sanatsal teknik, karşılaştırmalı bir hızla özümsenmiştir. Bu an, Japon sanatının gelişiminin seyrini belirledi. Budizm’in ortaya çıkışından önce gelenler, karmaşık ve sürekli gözden geçirilmiş arkeolojik kayıtlarla ilgili bir meseledir. Veri toplama ve kategorize etme konusundaki yeni ilgi, kısmen Neo-Konfüçyüsçü düşüncenin etkisinden ve Avrupa metodolojisinin esas olarak Hollandalılarla temaslar yoluyla tanıtılmasından kaynaklanıyordu. Bununla birlikte, çoğunlukla, önceki dönemler gibi Edo, arkeolojik bulguları yorumlamak için gereken göreceli nesnellikten rahatsızdı. Nitekim dönemin önemli bir entelektüel eğilimi, kokugaku (ulusal öğrenme), esasen Japonya’nın benzersiz kökenlerinin altını çizmek için fenomenleri yorumlamaya kendini adamış yerlilerden oluşan bir hareketti.

Heykel

623 yılında adanmış Shaka Triad haricinde, Horyu Tapınağı’ndaki heykel, yaklaşık 650 ile 711 arasındaki bir dönemde yapıldı. Yüzyılın ortalarından itibaren yaratılan heykel, Çin Kuzey Qi hanedanı (550-577) stillerinin etkisini yansıtmaya başlar. Bu tapınakların yapıları ayakta kalmazken, bazı önemli heykeller hayatta kaldı ve bu görüntüler genellikle Kuratsukuri Tori (Tori Busshi olarak da bilinir). Tori, Çin’den göç etmiş olan büyükbabası ve ateşli bir Budist olan babası gibi, eyer ustaları loncasına aitti. Shaka’nın büyük, oturmuş, yaldızlı bronz görüntüsü Asuka Tapınağı’ndan günümüze ulaşmıştır.

Japon Resim Teknikleri Gelişimi

Budist tapınakları sadece heykellerle değil, aynı zamanda dini resimler, duvar halıları ve diğer nesnelerle de süslendi. Asuka dönemine ait bu tür eserlerin çoğu günümüze ulaşamamıştır. Bir istisna, Minyatürden oluşan Tamamushi Türbesi kondo dikdörtgen bir kaide veya tabana yapıştırılmıştır. Bu ahşap, metal ve vernik topluluğu, dönemin bir kondusunun neye benzediğine dair mükemmel bir görünüm sağlar ve belki daha da önemlisi, Asuka döneminden bilinen tek resimle süslenmiştir.

Bunun dışında Japon boyama tarzı, Batı resim yöntemlerinin yoğun ve sistematik çalışmasına paralel olarak, geleneksel resim alanında meydana gelen istikrarlı bir yenilenme süreciydi. Fenollosa, 19. yüzyılın sonlarından kalma iki önemli ressamın kariyerlerini yeniden yönlendirmede ve kurtarmada özellikle etkili oldu. Kano Hagai ve Hashimoto Gaho . Fenollosa, bu geleneksel Kanō okulu ressamlarının daha heyecan verici ve belki de Batılı gözlere göre daha pazarlanabilir bir ürün yaratmak için tekniklerini nasıl uyarlayabilecekleri hakkında belirli fikirlere sahipti. Chiaroscuro, parlak paletler, Batı uzaysal perspektifi ve dramatik atmosferin kullanımını teşvik etti ve bu teknikler, geleneksel Kano resminin daha önce can çekişen biçimlerine yeni ilgi uyandırmada gerçekten etkiliydi.

Hogai ve Gaho’nın başarısından ilham alan bir ressam kuşağı, bu ustaların teknik uyarlamalarını genişletmeye çalıştı. Shimomura Kanzan,Yokoyama Taikan veHishida Shunso ,Geleneksel Japon pigmentlerinin kullanıldığı, ancak tematik bir repertuarın çok genişlediği nihonga (Japon resmi) hareketi. Biçim artık kaydırma veya ekranla sınırlı değildi ve ara sıra Batı çerçeveli resimleri içeriyordu.

Japonya Sanat Tarihi’nde Batı Usulü Resimin Gelişimi

855 gibi erken bir tarihte, Meiji Restorasyonundan önce Japonlar bir büro kurdu. Batı teknolojisinde ustalaşma çabasının bir parçası olarak Batı resmini incelemek için. Müfredatta teknik resim vurgulanmıştır. Bu bürodan mezun olan Takahashi Yuichi, yağlı boyayla kesinlikle teknik ilgiden çok sanatsal bir ilgiyi ifade eden dönemin ilk Japon sanatçısıydı. Kendi kendine eğitim yoluyla ve İngiliz illüstratör Charles Wirgman fikri tartışmlarla  ustalık seviyesi arttırdı. Takahashi’nin konuyla ilgili bilinen yedi denemesinden biri olan Natürmort Somon (1877), bu sıradan konuyu muhteşem bir biçim ve renk incelemesine yükseltir.

1876’da bir güzel sanatlar okulu kuruldu ve Batı tekniklerini öğretmek için İtalyan sanatçılardan oluşan bir ekip işe alındı. Aralarında en etkili olanı Antonio Fontanesi, sadece bir yıldır Japonya’da eğitmenlik yapan Barbizon okulunun ressamı Fontanesi, Japon öğrencileri arasında son derece sadık bir takipçi kitlesi oluşturdu.
Genel olarak Meiji döneminde, Japonya’yı algılanan bir modernite düzeyine getirmek için daha büyük bir amaç için Batı temsili yöntemlerini incelemek için başlangıçta hesaplanmış bir strateji olduğu gözlemlenebilir. Bununla birlikte, küçük ama etkili bir ressam grubu, hükümet planlaması tarafından kontrol edilemeyen kültürler arası bir alışverişe dahil oldu.

Japon Seramik Sanatı

Çeşitli geleneksel soyların devam ettirilmesinin yanı sıra modern dönem seramiklerinde en önemli gelişme halk zevklerine dönüş olmuştur. Yanagi Soetsu, çağın endüstrileşme ve kendini büyütme özelliğine karşı bir düzeltici olarak anonimliği, işlevselliği ve basitliği benimsedi. İngiliz sanatçı gibi çömlekçilerle birlikte Bernard Leach, Hamada Shoji ve Kawai Kanjiro, Yanagi, Muromachi ve Momoyama dönemlerinin çay ustalarına hitap eden ürünleri hatırlatan sağlam, çekici bir seramik türü yarattı. Kitaoji Rosanjin, Kutani ve daha sonra kyoyaki geleneklerinde oldukça süslü çalışmaların en önemli temsilcisiydi.
Çağdaş Japon seramikleri hem geleneksel hem de soyut çizgileri takip ediyor. Gelişmeler, formdaki geniş deneyimler ve geleneksel, işlevsel parçalardan “sanat” ya da heykel eserlerine kadar genel bir hareketle işaretlendi. Heykeltıraş ve seramikçi arasındaki çizgi giderek bulanıklaştı. Japon Sanat Tarihi.